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Trois raisons d'aller à Tapestry à Queen Village

Trois raisons d'aller à Tapestry à Queen Village

Bière. C'est le slogan de Tapisserie — sur le site internet, sur le menu, même sur la porte d'entrée. Nous avons été deux fois maintenant et je dois dire que c'est gagner sur les trois points.

Tapestry a remplacé le bien-aimé Adsum au coin de Queen Village entre 5th et Bainbridge en novembre dernier. Il a été inventé le dernier gastropub d'une série d'ouvertures dans la ville, mais ressemble moins à la moitié "pub" de cette étiquette que la plupart des autres.

Les fenêtres du sol au plafond des deux côtés ouvrent l'espace petit et une sélection de vins légèrement plus grande que celle de nombreux autres pubs gastronomiques contribue à cette cause. Le menu, cependant, est un retour rafraîchissant à ce que nous avons vu dans les pubs gastronomiques lorsque la tendance a explosé il y a quelques années - des versions haut de gamme d'articles de base comme les hamburgers, les fish n' chips et les applications. Nous avons été frustrés par d'autres pubs gastronomiques bien établis qui inventent leurs menus ces derniers temps et retirent ces éléments traditionnels. Peu importe comment vous l'appelez, Tapestry est une valeur sûre pour la bonne nourriture, les boissons et l'atmosphère.

Deux énormes tableaux noirs fournissent la liste des bières pression et les plats du jour. La sélection de bières est profonde et change fréquemment. Un troisième tableau répertorie plus de 12 cocktails traditionnels pour 8 $ à 10 $ chacun. Bradd avait un couple Negronis très bien fait lors de notre première visite. En dehors de la carte des vins, je suis un grand fan de la facilité avec laquelle quelques verres du doux Coppo Barbera L'Avvocata 07 's'avalent après une longue semaine.

Je n'entrerai pas dans les détails de chaque plat, mais jusqu'à présent, tout ce que nous avons mangé à Tapestry était très bon :

Dattes enveloppées de bacon et frites de patates douces — Les deux sont accompagnés d'une marmelade de chipotle, de cidre de pomme, de cerise et de canneberge. Commencez à baver maintenant.

Crevettes rocheuses frites avec mayo sriracha - J'ai adoré. Pas assez de crevettes grises sur les menus ces jours-ci.

Poivrons rôtis et stravecchio sur du pain fait maison - C'est une portion de taille décente, bonne à partager.

Mac & cheese - Servi nature, alias trois fromages, sous forme de petite assiette, mais il y a aussi généralement un "mac n' cheese du jour" sur le plateau des spécialités. Nous l'avons eu avec de la pancetta et des petits pois et c'était délicieux. Ne vous inquiétez pas quand il sort un peu liquide - il est toujours savoureux et ne laisse pas un gros tas de fromage digéré dans votre estomac toute la nuit.

Fish and chips - Savoureux, et plutôt comme des bâtonnets de poisson géants et légèrement panés. Aucun frais pour remplacer les frites de patates douces par le côté automatique des frites de steak.

Poulet frit - Bradd est un drageon pour le poulet frit et est heureux de le voir apparaître dans plus d'endroits (appelez-le l'effet Federal Donuts, je suppose). Ce poulet frit était assez bon. Juteux et croustillant, comme nous l'aimons.

Tapestry Burger - Un autre hamburger solide à ajouter au lexique des hamburgers de Philly. Ce n'est pas à la hauteur des hamburgers chez Supper, Pub & Kitchen ou Village Whiskey, mais la plupart d'entre nous en seraient plus que ravis.

Le personnel de Tapestry était également très sympathique et serviable avec les sélections de menu. Ils semblaient heureux de s'adapter aux grands groupes qui entraient, se déplaçant autour des tables / chaises du mieux qu'ils pouvaient pour asseoir tout le monde. Le bar est également facile à manger, et il y a une petite étagère sur laquelle les clients debout peuvent asseoir leurs bières. C'est les petites choses, tu sais ?

Nous sommes toujours à la recherche d'un autre petit pub solide et incontournable dans notre quartier de l'autre côté de Broad St. Pour les Queen Villagers, ils l'ont à Tapestry.


Top 10 des raisons de visiter le conservatoire de Biltmore's maintenant

Quand Todd Roy dit qu'il y a de nombreuses raisons de visiter Conservatoire de Biltmore à la fin de l'été, il n'exagère pas.

Une fois que vous entrez dans la structure historique située à la fin de la Jardin fermé, c'est comme entrer dans un autre monde - un monde luxuriant trésors tropicaux et vignes vénérables plus une gamme éblouissante de couleurs, de parfums et de textures pour ravir vos sens !

Todd est membre de L'équipe d'horticulture de Biltmore qui prennent soin des milliers de plantes exotiques et intéressantes qui remplissent le Conservatoire. Bien que cette responsabilité puisse sembler intimidante, il aime répondre aux besoins de ses collègues botaniques, qu'il s'agisse de les arroser à la main tous les matins ou de connaître leurs préférences en matière de lumière et d'ombre.

George Vanderbilt a choisi des plantes avec la même attention et le même intérêt que l'art qu'il collectionnait », a déclaré Todd. “Certains des spécimens il a sélectionné sont beaux, certains sont rares et certains sont tout simplement étranges et intéressants.”

Il était difficile de réduire la liste, mais voici 10 des meilleurs choix de Todd à voir lors de votre prochain Conservatoire visite:

10. Les vies les plus longues

Les Conservatoire possède une impressionnante collection de Cycas dont quelques-unes remontent à plus d'un siècle à l'époque de la Vanderbilts. Les cycadales ne poussent que d'environ un pouce par an, donc la taille que certains d'entre eux ont atteinte est particulièrement impressionnante.

Entre le banc et le palmier dominant au-dessus de votre tête, une cycadée luxuriante constitue une toile de fond digne d'une photo

9. Les plus grandes feuilles

Juste à l'intérieur du Maison sympa, recherchez un regroupement de Oreilles d'éléphant géant thaïlandais (Colocasia gigantea) présentant certaines des plus grandes feuilles du Conservatoire.

Des oreilles d'éléphant géant thaïlandais arborent des feuilles de la taille d'un parapluie dans la Cool House

8. Allées intrigantes (comestibles)

Chaque année, Todd crée des thèmes spéciaux pour les deux allées situées entre les ailes principales du Conservatoire. Cette année, ils présentent des plantes utiles/comestibles dans une allée et des plans d'eau dans l'autre.

Vous êtes-vous déjà demandé comment café, coton, ou piment de la Jamaïque (Pimenta dioicaa) grandit ? Vous trouverez des exemples de chacun ainsi que vigne de poivre noir, Fruit miraculeux (Synsepalum dulcificum) qui donne un goût sucré aux aliments acides, Cerise de la Barbade (Malpighia emarginata), une source importante de Vitamine C, et beaucoup plus.

Vue rapprochée du bien nommé Miracle Fruit

7. Ruelles intrigantes (éléments aquatiques)

Une fois que vous avez admiré toutes les plantes comestibles, promenez-vous dans l'allée d'en face pour découvrir la sons apaisants de l'eau ruisselant et éclaboussant sur des cailloux dans de petites piscines entourées de plantations de conteneurs luxuriants. Attardez-vous ici pour observer les jeux de lumière sur l'eau et absorber la atmosphère paisible de cet espace de détente niché et à découvrir !

Cherchez une série de jeux d'eau relaxants dans l'une des deux allées du Conservatoire cet été

6. Le paradis des colibris

Selon Todd, le Bouton Rouge Gingembre (Costus woodsonii) croissant vers la fin de la Maison sympa est un colibri aimant. "Quand il fleurit à la fin de l'été, chaque cône de gingembre produit une seule fleur rouge", a déclaré Todd, "et les colibris savent qu'il est là, presque comme s'ils avaient tracé le Conservatoire. Je les vois tôt le matin, visitant chaque fleur, puis s'envolant avant qu'il ne fasse trop chaud à l'intérieur.”

Red Button Ginger affiche un seul “button” ou une fleur

5. Voyage tropical

Envie de visiter les tropiques sans partir Biltmore? Ne manquez pas l'affichage parfumé de Pluméria dans des conteneurs le long du mur du fond derrière le Conservatoire. Aussi communément appelé frangipanier, Plumeria est originaire de nombreuses régions tropicales du monde et les belles fleurs sont souvent utilisées dans colliers hawaïens.

Les jolies fleurs roses de Plumeria sentent aussi belles qu'elles en ont l'air

4. Parfum de signature

Si vous êtes fan de Coco Chanel’s iconique Chanel n°5 parfum, votre nez peut vous conduire à un spécimen très spécial poussant dans le conservatoire de Biltmore. Les Ylang Ylang Arbre (Cananga odorata) produit des fleurs jaune crème avec de longs pétales, et leur parfum floral capiteux est la note de signature associée au parfum de renommée mondiale.

Une fleur jaune parfumée de l'arbre Ylang Ylang

3. Les secrets de Cereus

L'espace du Conservatoire dédié aux membres de la clan des cactus garde définitivement quelques secrets de nos invités du jour!

"Il est en fait très difficile d'attraper un cactus à floraison nocturne à son apogée, nous dit Todd. “Vous devez être ici tard le soir ou très tôt le matin pour voir tout le potentiel des fleurs.” Heureusement pour nous, Todd a capturé quelques fleurs insaisissables du Céréus famille comme cette magnifique la reine de la Nuit (Epiphyllum oxypetalum) Exemple.

‘Reine de la Nuit’ cactus en fleurs

2. Pichet parfait

Alors que l'idée de plantes carnivores peut sembler être un oxymore, Plantes de pichet mince (Nepenthes gracilis) et d'autres variétés offrent un aperçu fascinant d'un monde hautement spécialisé dans lequel les plantes attirent et piègent les insectes comme principale source de nourriture. La chaleur toute l'année du Conservatoire offre un environnement parfait pour les pichets et les insectes dont ils se nourrissent.

Un membre du personnel montre la partie pichet de la Slender Pitcher Plant

1. Verre glorieux

Pas de visite au Conservatoire est complet sans s'émerveiller du glorieux sculptures en verre par artiste Dale Chihuly pendant Chihuly à Biltmoreet Nuits Chihuly à Biltmore. En vous approchant du Conservatoire, notez le Quenouilles et roseaux de bouleau cuivré installé dans le jardin des papillons.
Les quenouilles et les roseaux de bouleau cuivré s'illuminent devant le conservatoire pendant les nuits Chihuly à Biltmore

À l'intérieur de la structure, levez les yeux au plafond pour repérer trois complexes Lustres en ambre bruni, citron et sarcelle vous les trouverez à l'extrême gauche, à l'extrême droite et au centre de la pièce principale. Cependant, leur temps est limité, car ces fleurs à couper le souffle ne sont là que jusqu'au 7 octobre.

L'un des trois lustres Chihuly en ambre bruni, citron et sarcelle à l'intérieur du Conservatoire de Biltmore

Photo de blog en vedette : horticulteurs de Biltmore au Conservatoire


Contenu

Lennon est né à la maternité de Liverpool de Julia (née Stanley) (1914-1958) et Alfred Lennon (1912-1976). Alfred était un marin marchand d'origine irlandaise qui était absent au moment de la naissance de son fils. [4] Ses parents l'ont nommé John Winston Lennon d'après son grand-père paternel, John "Jack" Lennon et le Premier ministre Winston Churchill. [5] Son père était souvent absent de la maison mais envoyait des chèques de paie réguliers au 9 Newcastle Road, Liverpool, où Lennon vivait avec sa mère [6] les chèques se sont arrêtés lorsqu'il s'est absenté sans permission en février 1944. [7] [8] Quand il est finalement rentré à la maison six mois plus tard, il a proposé de s'occuper de la famille, mais Julia, alors enceinte de l'enfant d'un autre homme, a rejeté l'idée. [9] Après que sa sœur Mimi se soit plainte deux fois aux Services sociaux de Liverpool, Julia lui a confié la garde de Lennon. En juillet 1946, le père de Lennon lui rendit visite et emmena son fils à Blackpool, avec l'intention secrète d'émigrer en Nouvelle-Zélande avec lui. [10] Julia les a suivis - avec son partenaire à l'époque, Bobby Dykins - et après une dispute animée, son père a forcé l'enfant de cinq ans à choisir entre eux. Dans un récit de cet incident, Lennon choisit deux fois son père, mais alors que sa mère s'éloignait, il se mit à pleurer et la suivit. [11] Selon l'auteur Mark Lewisohn, cependant, les parents de Lennon ont convenu que Julia devrait le prendre et lui donner une maison. Un témoin qui était là ce jour-là, Billy Hall, a déclaré que le portrait dramatique d'un jeune John Lennon forcé de prendre une décision entre ses parents est inexact. [12] Lennon n'a plus eu de contact avec Alf pendant près de 20 ans. [13]

Pendant le reste de son enfance et de son adolescence, Lennon a vécu à Mendips, 251 Menlove Avenue, Woolton, avec Mimi et son mari George Toogood Smith, qui n'avaient pas d'enfants. [14] Sa tante a acheté des volumes d'histoires courtes pour lui et son oncle, un laitier à la ferme de sa famille, lui a acheté un orgue à bouche et l'a engagé dans la résolution de mots croisés. [15] Julia rendait régulièrement visite à Mendips et John lui rendait souvent visite au 1 Blomfield Road, Liverpool, où elle lui jouait les disques d'Elvis Presley, lui apprit le banjo et lui montra comment jouer "Ain't That a Shame" par Fats Domino. [16] En septembre 1980, Lennon a commenté sa famille et sa nature rebelle :

Une partie de moi aimerait être acceptée par toutes les facettes de la société et ne pas être ce poète/musicien lunatique à haute voix. Mais je ne peux pas être ce que je ne suis pas. J'étais celui à qui tous les parents des autres garçons – y compris le père de Paul – disaient : « Tiens-toi loin de lui ». Les parents ont instinctivement reconnu que j'étais un fauteur de troubles, ce qui signifie que je ne me conformais pas et que j'influencerais leurs enfants, ce que j'ai fait. J'ai fait de mon mieux pour perturber la maison de chaque ami. En partie par envie de ne pas avoir cette soi-disant maison. mais je fait . Il y avait cinq femmes qui étaient ma famille. Cinq fort, intelligente, beau femmes, cinq sœurs. L'une d'elles était ma mère. [Elle] ne pouvait tout simplement pas faire face à la vie. Elle était la plus jeune et elle avait un mari qui s'est enfui en mer et la guerre était en cours et elle ne pouvait pas faire face à moi, et j'ai fini par vivre avec sa sœur aînée. Maintenant, ces femmes étaient fantastiques. Et ce fut ma première éducation féministe. J'infiltrerais l'esprit des autres garçons. Je pourrais dire : « Les parents ne sont pas des dieux parce que je ne vis pas avec les miens et, par conséquent, je sais. [17]

Il rendait régulièrement visite à son cousin, Stanley Parkes, qui vivait à Fleetwood et l'emmenait dans les cinémas locaux. [18] Pendant les vacances scolaires, Parkes rendait souvent visite à Lennon avec Leila Harvey, une autre cousine, et le trio se rendait souvent à Blackpool deux ou trois fois par semaine pour regarder des émissions. Ils visiteraient le Blackpool Tower Circus et verraient des artistes tels que Dickie Valentine, Arthur Askey, Max Bygraves et Joe Loss, Parkes rappelant que Lennon aimait particulièrement George Formby. [19] Après que la famille de Parkes a déménagé en Écosse, les trois cousins ​​ont souvent passé leurs vacances scolaires ensemble là-bas. Parkes se souvient : « John, la cousine Leila et moi étions très proches. D'Édimbourg, nous nous rendions en voiture jusqu'à la ferme familiale de Durness, qui remontait à peu près au moment où John avait neuf ans jusqu'à ses 16 ans. [20] L'oncle George de Lennon est décédé d'une hémorragie du foie le 5 juin 1955, à l'âge de 52 ans. [21]

Lennon a été élevé comme anglican et a fréquenté l'école primaire Dovedale. [22] Après avoir réussi ses onze examens et plus, il a fréquenté le Quarry Bank High School à Liverpool de septembre 1952 à 1957, et a été décrit par Harvey à l'époque comme un « heureux, de bonne humeur, facile à vivre, vivant garçon". [23] Il a souvent dessiné des dessins animés comiques qui sont apparus dans son propre magazine scolaire autodidacte appelé le Hurlement quotidien. [24] [nb 2]

En 1956, Julia achète à John sa première guitare. L'instrument était une acoustique Gallotone Champion bon marché pour laquelle elle a prêté à son fils cinq livres et dix shillings à condition que la guitare soit livrée chez elle et non chez Mimi, sachant bien que sa sœur ne soutenait pas les aspirations musicales de son fils. [26] Mimi était sceptique quant à son affirmation selon laquelle il serait célèbre un jour, et elle espérait qu'il s'ennuierait de la musique, lui disant souvent : " La guitare va très bien, John, mais tu ne gagneras jamais ta vie de celui-ci." [27]

Le 15 juillet 1958, Julia Lennon a été heurtée et tuée par une voiture alors qu'elle rentrait chez elle à pied après avoir visité la maison des Smith. [28] La mort de sa mère a traumatisé l'adolescent Lennon, qui, pendant les deux années suivantes, a bu beaucoup et s'est fréquemment battu, consumé par une « rage aveugle ». [29] La mémoire de Julia servira plus tard d'inspiration créative majeure pour Lennon, inspirant des chansons telles que la chanson des Beatles de 1968 "Julia". [30]

Les années de lycée de Lennon ont été marquées par un changement dans son comportement. Les enseignants de Quarry Bank High School l'ont décrit ainsi : « Il a trop de mauvaises ambitions et son énergie est souvent mal placée », et « Son travail manque toujours d'effort. Il se contente de « dériver » au lieu d'utiliser ses capacités. [31] La mauvaise conduite de Lennon a créé une faille dans sa relation avec sa tante.

Lennon a échoué à ses examens de niveau O et a été accepté au Liverpool College of Art après l'intervention de sa tante et de son directeur. [32] Au collège, il a commencé à porter des vêtements Teddy Boy et a été menacé d'expulsion pour son comportement. [33] Dans la description de Cynthia Powell, la camarade de Lennon et par la suite sa femme, il a été « jeté hors du collège avant sa dernière année ». [34]

Formation, renommée et tournée : 1956-1966

À l'âge de 15 ans, Lennon forme un groupe de skiffles, les Quarrymen. Nommé d'après Quarry Bank High School, le groupe a été créé par Lennon en septembre 1956. [35] À l'été 1957, les Quarrymen ont joué un "ensemble de chansons fougueux" composé à moitié de skiffle et à moitié de rock and roll. [36] Lennon a rencontré pour la première fois Paul McCartney à la deuxième représentation des Quarrymen, qui a eu lieu à Woolton le 6 juillet à la fête du jardin de l'église Saint-Pierre. Lennon a ensuite demandé à McCartney de rejoindre le groupe. [37]

McCartney a déclaré que tante Mimi « était très consciente que les amis de John étaient de la classe inférieure », et le fréquentait souvent lorsqu'il arrivait pour rendre visite à Lennon. [38] Selon le frère de McCartney, Mike, leur père désapprouvait de la même manière Lennon, déclarant que Lennon causerait des ennuis à son fils. [39] Le père de McCartney a néanmoins permis à la fanfare naissante de répéter dans la salle de devant de la famille au 20 Forthlin Road. [40] [41] Pendant ce temps, Lennon a écrit sa première chanson, "Hello Little Girl", qui est devenue un hit du top 10 britannique pour le Fourmost en 1963. [42]

McCartney a recommandé à son ami George Harrison de devenir le guitariste principal. [43] Lennon pensait que Harrison, alors âgé de 14 ans, était trop jeune. McCartney a organisé une audition sur le pont supérieur d'un bus de Liverpool, où Harrison a joué "Raunchy" pour Lennon et a été invité à se joindre. [44] Stuart Sutcliffe, l'ami de Lennon de l'école d'art, a rejoint plus tard en tant que bassiste. [45] Lennon, McCartney, Harrison et Sutcliffe sont devenus "Les Beatles" au début de 1960. En août de cette année-là, les Beatles se sont engagés pour une résidence de 48 nuits à Hambourg, en Allemagne de l'Ouest, et avaient désespérément besoin d'un batteur. Ils ont demandé à Pete Best de se joindre à eux. [46] La tante de Lennon, horrifiée quand il lui a parlé du voyage, a supplié Lennon de continuer ses études d'art à la place. [47] Après la première résidence à Hambourg, le groupe en a accepté une autre en avril 1961, et une troisième en avril 1962.Comme avec les autres membres du groupe, Lennon a été présenté à Preludin alors qu'il était à Hambourg [48] et a régulièrement pris la drogue comme stimulant pendant leurs longues performances nocturnes. [49]

Brian Epstein a dirigé les Beatles de 1962 jusqu'à sa mort en 1967. Il n'avait aucune expérience dans la gestion d'artistes, mais il a eu une forte influence sur le code vestimentaire et l'attitude du groupe sur scène. [50] Lennon a d'abord résisté à ses tentatives d'encourager le groupe à présenter une apparence professionnelle, mais s'est finalement conformé, en disant "Je porterai un ballon sanglant si quelqu'un va me payer." [51] McCartney a repris la basse après que Sutcliffe a décidé de rester à Hambourg, et Best a été remplacé par le batteur Ringo Starr, ce qui a complété la formation de quatre musiciens qui restera jusqu'à la dissolution du groupe en 1970. Le premier single du groupe, "Love Me Do", est sorti en octobre 1962 et a atteint la 17e place des charts britanniques. Ils ont enregistré leur premier album, S'il-te-plait fais moi plaisir, en moins de 10 heures le 11 février 1963, [52] un jour où Lennon souffrait des effets d'un rhume, [53] qui est évident dans la voix de la dernière chanson enregistrée ce jour-là, "Twist and Shout". [54] Le partenariat de composition de chansons Lennon-McCartney a donné huit de ses quatorze pistes. À quelques exceptions près, l'une étant le titre de l'album lui-même, Lennon n'avait pas encore apporté son amour du jeu de mots aux paroles de ses chansons, en disant : un son. Et les mots étaient presque hors de propos". [52] Dans une interview de 1987, McCartney a déclaré que les autres Beatles idolâtraient Lennon : « Il était comme notre propre petit Elvis. Nous admirions tous John. le plus intelligent." [55]

Les Beatles ont connu un succès grand public au Royaume-Uni au début de 1963. Lennon était en tournée lorsque son premier fils, Julian, est né en avril. Lors de leur représentation au Royal Variety Show, à laquelle assistaient la reine mère et d'autres membres de la royauté britannique, Lennon s'est moqué du public : "Pour notre prochaine chanson, j'aimerais demander votre aide. Pour les personnes dans les sièges les moins chers, tapez dans vos mains... et le reste d'entre vous, si vous voulez juste secouer vos bijoux." [56] Après une année de Beatlemania au Royaume-Uni, la première apparition historique du groupe aux États-Unis en février 1964 sur Le spectacle d'Ed Sullivan ont marqué leur percée vers la célébrité internationale. Une période de deux ans de tournées constantes, de réalisation de films et d'écriture de chansons a suivi, au cours de laquelle Lennon a écrit deux livres, Dans sa propre écriture et Un Espagnol dans les Travaux. [57] Les Beatles ont reçu la reconnaissance de l'establishment britannique lorsqu'ils ont été nommés membres de l'Ordre de l'Empire britannique (MBE) lors des honneurs de l'anniversaire de la reine 1965. [58]

Lennon s'est inquiété du fait que les fans qui assistaient aux concerts des Beatles ne pouvaient pas entendre la musique au-dessus des cris des fans, et que la musicalité du groupe commençait à en souffrir. [59] « A l'aide ! » de Lennon exprima ses propres sentiments en 1965 : « Je censé ce . C'était moi qui chantais « aide ». l'année où lui et Harrison ont été inconsciemment introduits au LSD lorsqu'un dentiste, organisant un dîner auquel assistaient les deux musiciens et leurs épouses, a ajouté de la drogue au café des invités.[63] Lorsqu'ils ont voulu partir, leur hôte a révélé ce qu'ils avaient pris, et leur a fortement conseillé de ne pas quitter la maison en raison des effets probables. Plus tard, dans un ascenseur dans une boîte de nuit, ils ont tous cru que c'était en feu Lennon a rappelé: "Nous criions tous. chaud et hystérique." [64] En mars 1966, lors d'un entretien avec Soirée Standard La journaliste Maureen Cleave, Lennon a fait remarquer : « Le christianisme s'en ira. Il disparaîtra et rétrécira. Nous sommes plus populaires que Jésus maintenant – je ne sais pas qui ira en premier, le rock and roll ou le christianisme. [65] Le commentaire est passé pratiquement inaperçu en Angleterre mais a causé une grande offense aux États-Unis lorsqu'il a été cité par un magazine là-bas cinq mois plus tard. La fureur qui a suivi, qui comprenait l'incendie des disques des Beatles, l'activité du Ku Klux Klan et les menaces contre Lennon, a contribué à la décision du groupe d'arrêter les tournées. [66]

Années de studio, rupture et travail en solo : 1966-1970

Après le dernier concert du groupe le 29 août 1966, Lennon a filmé la comédie noire anti-guerre Comment j'ai gagné la guerre – sa seule apparition dans un long métrage non-Beatles – avant de rejoindre ses compagnons de groupe pour une longue période d'enregistrement, à partir de novembre. [67] Lennon avait augmenté son utilisation de LSD [68] et, selon l'auteur Ian MacDonald, son utilisation continue de la drogue en 1967 l'a amené « près d'effacer son identité ». [69] L'année 1967 voit la sortie de "Strawberry Fields Forever", salué par Temps magazine pour son « inventivité étonnante », [70] et l'album phare du groupe Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts, qui a révélé des paroles de Lennon qui contrastaient fortement avec les simples chansons d'amour des premières années du groupe. [71] Fin juin, les Beatles ont interprété "All You Need Is Love" de Lennon en tant que contribution de la Grande-Bretagne au Notre monde diffusion par satellite, devant une audience internationale estimée à 400 millions. [72] Intentionnellement simpliste dans son message, [73] la chanson a formalisé sa position pacifiste et a fourni un hymne pour l'Été d'Amour. [74]

Après que les Beatles ont été présentés au Maharishi Mahesh Yogi, le groupe a assisté à un week-end d'août d'instruction personnelle lors de son séminaire de méditation transcendantale à Bangor, au Pays de Galles. [75] Au cours du séminaire, ils ont été informés de la mort d'Epstein. "Je savais que nous étions en difficulté à ce moment-là", a déclaré Lennon plus tard. "Je n'avais aucune idée fausse sur notre capacité à faire autre chose que jouer de la musique. J'avais peur - je pensais:" Nous l'avons putain maintenant. "" [76] McCartney a organisé le premier projet post-Epstein du groupe, [77] le téléfilm auto-écrit, produit et réalisé Visite Mystère Magique, qui est sorti en décembre de la même année. Alors que le film lui-même s'est avéré être leur premier flop critique, sa sortie de la bande originale, mettant en vedette "Je suis le morse" inspiré de Lewis Carroll de Lennon, a été un succès. [78] [79]

Menés par l'intérêt de Harrison et Lennon, les Beatles se sont rendus à l'ashram de Maharishi en Inde en février 1968 pour obtenir des conseils supplémentaires. [80] Là-bas, ils ont composé la plupart des chansons de leur double album Les Beatles, [81] mais l'expérience mitigée des membres du groupe avec la Méditation Transcendantale a signalé une divergence marquée dans la camaraderie du groupe. [82] À leur retour à Londres, ils se sont de plus en plus impliqués dans des activités commerciales avec la formation d'Apple Corps, une société multimédia composée d'Apple Records et de plusieurs autres filiales. Lennon a décrit l'entreprise comme une tentative d'atteindre « la liberté artistique au sein d'une structure d'entreprise ». [83] Sorti au milieu d'une période de troubles civiques et de protestations, le premier single du groupe pour le label Apple incluait la face B « Revolution » de Lennon, dans laquelle il appelait à un « plan » plutôt que de s'engager dans la révolution maoïste. Le message pacifiste de la chanson a été ridiculisé par les radicaux politiques dans la presse de la Nouvelle Gauche. [84] Ajoutant aux tensions lors des sessions d'enregistrement des Beatles cette année-là, Lennon a insisté pour avoir sa nouvelle petite amie, l'artiste japonaise Yoko Ono, à ses côtés, contrevenant ainsi à la politique du groupe concernant les femmes et les petites amies dans le studio. Il était particulièrement satisfait de ses contributions à l'écriture de chansons pour le double album et l'a identifié comme une œuvre supérieure à Sgt. Poivre. [85] Fin 1968, Lennon participe à Le cirque rock and roll des Rolling Stones, une émission télévisée qui n'a pas été diffusée. Lennon a joué avec le Dirty Mac, un supergroupe composé de Lennon, Eric Clapton, Keith Richards et Mitch Mitchell. Le groupe a également soutenu une performance vocale d'Ono. Une version cinématographique est sortie en 1996. [86]

À la fin de 1968, l'augmentation de la consommation de drogue de Lennon et sa préoccupation croissante pour Ono, combinées à l'incapacité des Beatles à se mettre d'accord sur la façon dont l'entreprise devrait être gérée, laissèrent Apple dans le besoin d'une gestion professionnelle. Lennon a demandé à Lord Beeching de jouer le rôle, mais il a refusé, conseillant à Lennon de recommencer à faire des disques. Lennon a été approché par Allen Klein, qui avait dirigé les Rolling Stones et d'autres groupes pendant l'invasion britannique. Au début de 1969, Klein a été nommé directeur général d'Apple par Lennon, Harrison et Starr, [87] mais McCartney n'a jamais signé le contrat de gestion. [88] Lennon et Ono se sont mariés le 20 mars 1969 et ont bientôt publié une série de 14 lithographies intitulée "Bag One" représentant des scènes de leur lune de miel, [89] dont huit ont été jugées indécentes et dont la plupart ont été interdites et confisquées. [90] L'objectif créatif de Lennon a continué à aller au-delà des Beatles, et entre 1968 et 1969, lui et Ono ont enregistré ensemble trois albums de musique expérimentale : Musique inachevée n°1 : Deux vierges [91] (connu plus pour sa reprise que pour sa musique), Musique inachevée n°2 : La vie avec les lions et Album de mariage. En 1969, ils forment le Plastic Ono Band, libérant Vivez la paix à Toronto 1969. Entre 1969 et 1970, Lennon a sorti les singles "Give Peace a Chance", qui a été largement adopté comme hymne anti-guerre du Vietnam, [92] " Cold Turkey ", qui a documenté ses symptômes de sevrage après qu'il est devenu accro à l'héroïne, [93 ] et "Instant Karma!".

Pour protester contre l'implication de la Grande-Bretagne dans « l'affaire Nigeria-Biafra » [95] (à savoir, la guerre civile nigériane), [96] son ​​soutien à l'Amérique dans la guerre du Vietnam et (peut-être en plaisantant) contre la « Turquie froide » qui glisse dans les charts , [97] Lennon a rendu sa médaille MBE à la reine. Ce geste n'a eu aucun effet sur son statut de MBE, auquel il ne pouvait être renoncé. [98] La médaille, ainsi que la lettre de Lennon, est conservée à la chancellerie centrale des ordres de chevalerie. [99]

Lennon a quitté les Beatles en septembre 1969 [100] mais a accepté de ne pas en informer les médias pendant que le groupe renégociait son contrat d'enregistrement. Il était indigné que McCartney ait annoncé son propre départ lors de la sortie de son premier album solo en avril 1970. La réaction de Lennon a été : « Jésus-Christ ! Il en a tout le mérite ! [101] Il a écrit plus tard, "J'ai commencé le groupe. Je l'ai dissous. C'est aussi simple que cela." [102] Dans une interview de décembre 1970 avec Jann Wenner de Pierre roulante magazine, il a révélé son amertume envers McCartney, en disant: "J'ai été idiot de ne pas faire ce que Paul a fait, c'est-à-dire l'utiliser pour vendre un disque." [103] Lennon a également parlé de l'hostilité qu'il percevait que les autres membres avaient envers Ono, et de la façon dont lui, Harrison et Starr "en ont eu marre d'être les compagnons de Paul. Après la mort de Brian Epstein, nous nous sommes effondrés. Paul a pris le relais et nous a soi-disant dirigés. . Mais qu'est-ce qui nous mène quand nous tournons en rond ?" [104]

Premiers succès en solo et activisme : 1970-1972

En 1970, Lennon et Ono ont suivi une thérapie primale avec Arthur Janov à Los Angeles, en Californie. Conçue pour soulager la douleur émotionnelle de la petite enfance, la thérapie impliquait deux demi-journées par semaine avec Janov pendant quatre mois, il souhaitait traiter le couple plus longtemps, mais ils n'ont pas ressenti le besoin de continuer et sont retournés à Londres. [106] Le premier album solo de Lennon, John Lennon/Plastic Ono Band (1970), a été accueilli avec éloges par de nombreux critiques musicaux, mais ses paroles très personnelles et son son austère ont limité sa performance commerciale. [107] Le critique Greil Marcus a fait remarquer, "Le chant de John dans le dernier vers de 'Dieu' peut être le meilleur de tout le rock." [108] L'album comprenait la chanson "Mother", dans laquelle Lennon affrontait ses sentiments de rejet d'enfance, [109] et le Dylanesque "Working Class Hero", une attaque amère contre le système social bourgeois qui, en raison des paroles "vous 'sont encore des putains de paysans", est tombé sous le charme des diffuseurs. [110] [111] En janvier 1971, Tariq Ali a exprimé ses opinions politiques révolutionnaires lorsqu'il a interviewé Lennon, qui a immédiatement répondu en écrivant "Power to the People". Dans ses paroles de la chanson, Lennon a inversé l'approche non conflictuelle qu'il avait adoptée dans « Revolution », bien qu'il ait plus tard renié « Power to the People », affirmant que cela était né de la culpabilité et du désir d'approbation de radicaux tels que Ali. [112] Lennon s'est impliqué avec Ali dans une protestation contre la poursuite de once magazine pour obscénité présumée. Lennon a dénoncé la procédure comme un « fascisme dégoûtant », et lui et Ono (en tant qu'Elastic Oz Band) ont sorti le single « God Save Us/Do the Oz » et ont rejoint des marches en soutien au magazine. [113]

Désireux d'un grand succès commercial, Lennon adopte un son plus accessible pour son prochain album, Imaginer (1971). [117] Pierre roulante a rapporté qu'« il contient une partie substantielle de la bonne musique » mais a mis en garde contre la possibilité que « ses postures sembleront bientôt non seulement ennuyeuses mais hors de propos ». [118] La chanson-titre de l'album est devenue plus tard un hymne pour les mouvements anti-guerre, [119] tandis que la chanson "Comment dormez-vous ?" était une attaque musicale contre McCartney en réponse aux paroles de RAM que Lennon a ressenti, et McCartney a confirmé plus tard, [120] étaient dirigés contre lui et Ono. [121] [nb 3] Dans "Jealous Guy", Lennon a abordé son traitement avilissant des femmes, en reconnaissant que son comportement passé était le résultat d'une insécurité de longue date. [123] En remerciement pour ses contributions de guitare à Imaginer, Lennon a d'abord accepté de se produire au concert-bénéfice de Harrison pour le Bangladesh à New York. [124] Harrison a refusé de permettre à Ono de participer aux concerts, cependant, qui a eu comme conséquence le couple ayant un argument passionné et Lennon se retirant de l'événement. [125]

Lennon et Ono ont déménagé à New York en août 1971 et ont immédiatement embrassé la politique de la gauche radicale américaine. Le couple a sorti son single "Happy Xmas (War Is Over)" en décembre. [126] Au cours de la nouvelle année, l'administration Nixon a pris ce qu'elle a appelé une « contre-mesure stratégique » contre la propagande anti-guerre et anti-Nixon de Lennon. L'administration s'est lancée dans ce qui allait durer quatre ans pour l'expulser. [127] [128] Lennon a été impliqué dans une bataille juridique continue avec les autorités de l'immigration, et il s'est vu refuser la résidence permanente aux États-Unis, la question ne serait résolue qu'en 1976. [129]

Quelque temps à New York a été enregistré en collaboration avec Ono et est sorti en 1972 avec le soutien du groupe new-yorkais Elephant's Memory. Un double LP, il contenait des chansons sur les droits des femmes, les relations raciales, le rôle de la Grande-Bretagne en Irlande du Nord et les difficultés de Lennon à obtenir une carte verte. [130] L'album était un échec commercial et a été décrié par les critiques, qui ont trouvé son slogan politique brutal et implacable. [131] Le NME L'examen a pris la forme d'une lettre ouverte dans laquelle Tony Tyler a ridiculisé Lennon comme un "révolutionnaire pathétique et vieillissant". [132] Aux États-Unis, "Woman Is the Nigger of the World" est sorti en single de l'album et a été télévisé le 11 mai, le Le spectacle de Dick Cavett. De nombreuses stations de radio ont refusé de diffuser la chanson à cause du mot « nègre ». [133] Lennon et Ono ont donné deux concerts-bénéfice avec Elephant's Memory et des invités à New York pour venir en aide aux patients de l'établissement psychiatrique de l'école d'État de Willowbrook. [134] Mis en scène au Madison Square Garden le 30 août 1972, c'étaient ses dernières apparitions en concert. [135] Après que George McGovern ait perdu l'élection présidentielle de 1972 contre Richard Nixon, Lennon et Ono ont assisté à une veillée post-électorale tenue dans la maison de New York de l'activiste Jerry Rubin. [127] Lennon était déprimé et s'est enivré, il a laissé Ono embarrassé après avoir eu des relations sexuelles avec une invitée. La chanson d'Ono "Death of Samantha" a été inspirée par l'incident. [136]

"Week-end perdu": 1973-1975

Pendant que Lennon enregistrait Jeux d'esprit en 1973, lui et Ono décident de se séparer. La période de 18 mois qui a suivi, qu'il a appelée plus tard son "week-end perdu" en référence au film du même nom, [137] [138] a été passée à Los Angeles et à New York en compagnie de May Pang. Jeux d'esprit, crédité au "Plastic U.F.Ono Band", est sorti en novembre 1973. Lennon a également contribué "I'm the Greatest" à l'album de Starr Ringo (1973), sorti le même mois. Avec Harrison rejoignant Starr et Lennon lors de la session d'enregistrement de la chanson, cela a marqué la seule occasion où trois anciens Beatles ont enregistré ensemble entre la rupture du groupe et la mort de Lennon. [139] [n° 4]

Au début de 1974, Lennon buvait beaucoup et ses singeries alimentées par l'alcool avec Harry Nilsson ont fait les gros titres. En mars, deux incidents largement médiatisés se sont produits au club Le Troubadour. Lors du premier incident, Lennon a collé une serviette hygiénique inutilisée sur son front et s'est bagarré avec une serveuse. Le deuxième incident s'est produit deux semaines plus tard, lorsque Lennon et Nilsson ont été expulsés du même club après avoir chahuté les Smothers Brothers. [141] Lennon a décidé de produire l'album de Nilsson Chatte Chats, et Pang a loué une maison de plage à Los Angeles pour tous les musiciens. [142] Après un mois de plus de débauche, les sessions d'enregistrement étaient dans le chaos et Lennon est revenu à New York avec Pang pour finir le travail sur l'album. En avril, Lennon avait produit la chanson de Mick Jagger "Too Many Cooks (Spoil the Soup)" qui devait, pour des raisons contractuelles, rester inédite pendant plus de 30 ans. Pang a fourni l'enregistrement pour son inclusion éventuelle sur Le meilleur de Mick Jagger (2007). [143]

Lennon s'était installé à New York lorsqu'il a enregistré l'album Murs et ponts. Sorti en octobre 1974, il comprenait "Whatever Gets You thru the Night", qui mettait en vedette Elton John aux chœurs et au piano, et est devenu le seul single de Lennon en tant qu'artiste solo à dépasser les États-Unis. Panneau d'affichage Hot 100 graphique au cours de sa vie. [144] [nb 5] Un deuxième single de l'album, "#9 Dream", suivi avant la fin de l'année. Starr's Bonne nuit Vienne (1974) a de nouveau bénéficié de l'aide de Lennon, qui a écrit la chanson titre et joué du piano. [146] Le 28 novembre, Lennon a fait une apparition surprise au concert de Thanksgiving d'Elton John au Madison Square Garden, en accomplissement de sa promesse de rejoindre le chanteur dans un spectacle en direct si "Whatever Gets You thru the Night", une chanson dont la publicité potentiel Lennon avait douté, atteint le numéro un. Lennon a interprété la chanson avec "Lucy in the Sky with Diamonds" et "I Saw Her Standing There", qu'il a présenté comme "une chanson d'un vieux fiancé à moi appelé Paul". [147]

Lennon a co-écrit "Fame", le premier numéro un américain de David Bowie, et a fourni la guitare et les chœurs pour l'enregistrement de janvier 1975. [148] Le même mois, Elton John a dominé les charts avec sa reprise de "Lucy in the Sky with Diamonds", mettant en vedette Lennon à la guitare et aux chœurs. Lennon est crédité sur le single sous le surnom de "Dr. Winston O « Boogie ». Lui et Ono ont été réunis peu de temps après. Lennon libéré Rock n Roll (1975), un album de reprises, en février. "Stand by Me", extrait de l'album et d'un tube américain et britannique, est devenu son dernier single depuis cinq ans. [149] Il a fait ce qui serait sa dernière apparition sur scène dans l'émission spéciale ATV Un hommage à Lew Grade, enregistré le 18 avril et télévisé en juin. [150] Jouant de la guitare acoustique et soutenu par un groupe de huit musiciens, Lennon a interprété deux chansons de Rock n Roll ("Stand by Me", qui n'a pas été diffusé, et "Slippin' and Slidin'") suivi de "Imagine". [150] Le groupe, connu sous le nom d'Etc., portait des masques derrière la tête, une fouille de Lennon, qui pensait que Grade avait deux visages. [151]

Pause et retour : 1975-1980

Sean était le seul enfant de Lennon avec Ono. Sean est né le 9 octobre 1975 (le trente-cinquième anniversaire de Lennon) et John a assumé le rôle de mari au foyer. Lennon a commencé ce qui allait être une interruption de cinq ans de l'industrie de la musique, au cours de laquelle, a-t-il dit plus tard, il « faisait du pain » et « s'occupait du bébé ». [152] Il se consacre à Sean, se levant tous les jours à 6 heures du matin pour planifier et préparer ses repas et passer du temps avec lui. [153] Il a écrit "Cookin' (In the Kitchen of Love)" pour Starr's L'héliogravure de Ringo (1976), jouant sur la piste en juin dans ce qui serait sa dernière session d'enregistrement jusqu'en 1980. [154] Il a officiellement annoncé sa rupture de la musique à Tokyo en 1977, en disant : être avec notre bébé autant que possible jusqu'à ce que nous sentions que nous pouvons prendre du temps pour nous faire plaisir en créant des choses en dehors de la famille." [155] Pendant sa pause de carrière, il a créé plusieurs séries de dessins et a rédigé un livre contenant un mélange de matériel autobiographique et ce qu'il a appelé "des trucs fous", [156] qui seraient tous publiés à titre posthume.

Lennon est sorti de son interruption de cinq ans dans l'enregistrement de musique en octobre 1980, lorsqu'il a sorti le single "(Just Like) Starting Over". Le mois suivant a vu la sortie de Double Fantaisie, qui contenait des chansons écrites au cours de l'été 1980, passées aux Bermudes. Lennon a navigué sur un voilier de 43 pieds avec son fils cadet en juin 1980 pour se rendre dans la colonie britannique, où ils ont brièvement vécu à Knapton Hill avant que l'homme d'affaires local Rolf Oskar Luthi ne quitte son Sous-falaise, sa maison à Fairylands, pour permettre aux Lennon de s'installer temporairement. [157] [158] [159] [160]

La musique reflétait l'épanouissement de Lennon dans sa nouvelle vie de famille stable. [161] Suffisamment de matériel supplémentaire a été enregistré pour un album de suivi prévu Lait et miel, qui a été publié à titre posthume, en 1984. [162] Double Fantaisie a été publié conjointement par Lennon et Ono très peu de temps avant sa mort, l'album n'a pas été bien reçu et a suscité des commentaires tels que Créateur de mélodie's "la stérilité indulgente. un bâillement affreux". [163]

Vers 17h00. le 8 décembre 1980, Lennon a dédicacé une copie de Double Fantaisie pour le fan Mark David Chapman avant de quitter The Dakota avec Ono pour une session d'enregistrement à Record Plant. [164] Après la séance, Lennon et Ono sont retournés à leur appartement de Manhattan en limousine vers 22 h 50. EST. Ils sont sortis du véhicule et ont traversé l'arche du bâtiment lorsque Chapman a tiré sur Lennon deux fois dans le dos et deux fois dans l'épaule [165] à bout portant. Lennon a été transporté d'urgence dans une voiture de police aux urgences de l'hôpital Roosevelt, où il a été déclaré mort à son arrivée à 23h15. (EST). [166] [167]

Ono a publié une déclaration le lendemain, disant "Il n'y a pas d'enterrement pour John", la terminant par les mots: "John aimait et priait pour la race humaine. S'il vous plaît, faites de même pour lui." [168] Ses restes ont été incinérés au Cimetière Ferncliff à Hartsdale, New York. Ono a dispersé ses cendres dans Central Park à New York, où le mémorial de Strawberry Fields a ensuite été créé. [169] Chapman a évité d'aller au procès lorsqu'il a ignoré les conseils de son avocat et a plaidé coupable de meurtre au deuxième degré et a été condamné à 20 ans de prison. [170] [n° 6]

Dans les semaines qui ont suivi le meurtre, "(Just Like) Beginning Over" et Double Fantaisie en tête des charts au Royaume-Uni et aux États-Unis. [172] Dans un autre exemple de l'effusion publique de chagrin, "Imagine" a atteint le numéro un au Royaume-Uni en janvier 1981 et "Happy Xmas" a culminé au numéro deux. [173] "Imagine" a été remplacé au sommet du graphique britannique par "Woman", le deuxième single de Double Fantaisie. [174] Plus tard cette année-là, la version de couverture de "Jealous Guy" de Roxy Music, enregistrée en hommage à Lennon, était aussi un numéro un au Royaume-Uni. [22]

Cynthia Lennon

Lennon a rencontré Cynthia Powell (1939-2015) en 1957, alors qu'ils étaient camarades de classe au Liverpool College of Art. [175] Bien que Powell ait été intimidé par l'attitude et l'apparence de Lennon, elle a entendu qu'il était obsédé par l'actrice française Brigitte Bardot, alors elle a teint ses cheveux en blond. Lennon lui a demandé de sortir, mais quand elle a dit qu'elle était fiancée, il a crié : "Je ne t'ai pas demandé de m'épouser, n'est-ce pas ?" [176] Elle l'accompagnait souvent aux concerts de Quarrymen et voyageait à Hambourg avec la petite amie de McCartney pour lui rendre visite. [177]

Lennon était jaloux par nature et est finalement devenu possessif, terrifiant souvent Powell avec sa colère. [178] Dans ses mémoires de 2005 John, Powell a rappelé que, lorsqu'ils sortaient ensemble, Lennon l'a une fois frappée après l'avoir vue danser avec Stuart Sutcliffe. [179] Elle a mis fin à leur relation jusqu'à trois mois plus tard, lorsque Lennon s'est excusé et a demandé à se réunir. [180] Elle l'a repris et a noté plus tard qu'il n'avait plus jamais été violent physiquement envers elle, même s'il pouvait encore être « verbalement coupant et méchant ». [181] Lennon a dit plus tard que jusqu'à ce qu'il rencontre Ono, il n'avait jamais remis en question son attitude chauvine envers les femmes. Il a dit que la chanson des Beatles "Getting Better" racontait sa propre histoire, "J'avais l'habitude d'être cruel envers ma femme, et physiquement - n'importe quelle femme. J'étais un frappeur. Je ne pouvais pas m'exprimer et j'ai frappé. J'ai combattu des hommes et Je frappe les femmes. C'est pourquoi je parle toujours de paix." [182]

Rappelant sa réaction de juillet 1962 lorsqu'il a appris que Cynthia était enceinte, Lennon a déclaré: "Il n'y a qu'une seule chose pour cela Cyn. Nous devrons nous marier." [183] ​​Le couple s'est marié le 23 août au Mount Pleasant Register Office à Liverpool, avec Brian Epstein comme témoin. Son mariage a commencé juste au moment où la Beatlemania prenait son envol à travers le Royaume-Uni. Il se produisit le soir de son mariage et continuerait à le faire presque quotidiennement à partir de ce moment. [184] Epstein craignait que les fans ne soient aliénés par l'idée d'un Beatle marié et il a demandé aux Lennon de garder leur mariage secret. Julian est né le 8 avril 1963. Lennon était en tournée à l'époque et n'a vu son bébé que trois jours plus tard. [185]

Cynthia a attribué le début de la rupture du mariage à la consommation de LSD de Lennon, et elle a estimé qu'il a lentement perdu tout intérêt pour elle à la suite de sa consommation de drogue. [186] Lorsque le groupe s'est rendu en train à Bangor, au Pays de Galles en 1967 pour le séminaire de Méditation Transcendantale du Maharishi Yogi, un policier ne l'a pas reconnue et l'a empêchée de monter à bord. Elle a rappelé plus tard comment l'incident semblait symboliser la fin de leur mariage. [187] Après avoir passé des vacances en Grèce, [188] Cynthia est arrivée chez elle à Kenwood pour trouver Lennon assis par terre avec Ono dans des robes en tissu éponge [189] et a quitté la maison, se sentant choquée et humiliée, [190] pour rester avec des amis . Quelques semaines plus tard, Alexis Mardas a informé Powell que Lennon demandait le divorce et la garde de Julian. [191] Elle a reçu une lettre indiquant que Lennon le faisait en raison de son adultère avec l'hôtelier italien Roberto Bassanini, une accusation que Powell a nié. [192] Après des négociations, Lennon a capitulé et a accepté de la laisser divorcer pour les mêmes motifs. [193] L'affaire a été réglée à l'amiable en novembre 1968, Lennon lui donnant 100 000 £ (240 000 $ en dollars américains à l'époque), un petit paiement annuel et la garde de Julian. [194]

Brian Epstein

Les Beatles se produisaient au Cavern Club de Liverpool en novembre 1961 lorsqu'ils ont été présentés à Brian Epstein après un concert de midi. Epstein était homosexuel et fermé, et selon le biographe Philip Norman, l'une des raisons pour lesquelles Epstein voulait gérer le groupe était qu'il était attiré par Lennon. Presque dès la naissance de Julian, Lennon est parti en vacances en Espagne avec Epstein, ce qui a conduit à des spéculations sur leur relation. Lorsqu'il a ensuite été interrogé à ce sujet, Lennon a déclaré: "Eh bien, c'était presque une histoire d'amour, mais pas tout à fait. Elle n'a jamais été consommée. Mais c'était une relation assez intense. C'était ma première expérience avec un homosexuel dont j'étais conscient. était homosexuel. Nous avions l'habitude de nous asseoir dans un café à Torremolinos en regardant tous les garçons et je leur disais: "Est-ce que tu aimes celui-là? Est-ce que tu aimes celui-ci?" J'appréciais plutôt l'expérience, pensant tout le temps comme un écrivain : je vis ça." [195] Peu de temps après leur retour d'Espagne, lors de la fête du vingt et unième anniversaire de McCartney en juin 1963, Lennon a physiquement attaqué le maître de cérémonie du Cavern Club, Bob Wooler, pour avoir dit « Comment s'est passé votre lune de miel, John ? » Le MC, connu pour ses jeux de mots et ses remarques affectueuses mais tranchantes, faisait une blague, [196] mais dix mois s'étaient écoulés depuis le mariage de Lennon, et la lune de miel différée était encore deux mois dans le futur. [197] Lennon était ivre à ce moment-là et l'affaire était simple : « Il m'a traité de pédé alors je lui ai enfoncé les côtes ensanglantées. [198]

Lennon se plaisait à se moquer d'Epstein pour son homosexualité et pour le fait qu'il était juif. [199] Quand Epstein a invité des suggestions pour le titre de son autobiographie, Lennon a proposé Juif homosexuel à la connaissance du titre éventuel, Une cave pleine de bruit, a-t-il parodié, "Plus comme Une cave de garçons". [200] Il a demandé à un visiteur de l'appartement d'Epstein : " Êtes-vous venu le faire chanter ? Sinon, vous êtes le seul connard à Londres qui ne l'a pas fait. » [199] Pendant l'enregistrement de « Baby, You're a Rich Man », il a chanté des chœurs modifiés de « Baby, you're a rich fag Jew ". [201] [202]

Julien Lennon

Lors de son mariage avec Cynthia, le premier fils de Lennon, Julian, est né en même temps que ses engagements avec les Beatles s'intensifiaient au plus fort de la Beatlemania. Lennon était en tournée avec les Beatles lorsque Julian est né le 8 avril 1963. La naissance de Julian, comme le mariage de sa mère Cynthia avec Lennon, a été gardée secrète parce qu'Epstein était convaincu que la connaissance publique de telles choses menacerait le succès commercial des Beatles. Julian s'est souvenu qu'en tant que petit enfant à Weybridge environ quatre ans plus tard, "j'ai été ramené de l'école à la maison et je suis venu avec une de mes aquarelles. C'était juste un groupe d'étoiles et cette fille blonde que je connaissais à l'école. Et papa dit, 'Qu'est-ce que c'est?' J'ai dit : « C'est Lucy dans le ciel avec des diamants. chanson acide." [204] Lennon était éloigné de Julian, qui se sentait plus proche de McCartney que de son père. Lors d'un voyage en voiture pour rendre visite à Cynthia et Julian pendant le divorce de Lennon, McCartney a composé une chanson, "Hey Jules", pour le réconforter. Il deviendrait la chanson des Beatles "Hey Jude". Lennon a déclaré plus tard : "C'est sa meilleure chanson. Au départ, c'était une chanson sur mon fils Julian. [205]

La relation de Lennon avec Julian était déjà tendue, et après que Lennon et Ono ont déménagé à New York en 1971, Julian n'a pas revu son père avant 1973. [206] Avec les encouragements de Pang, des dispositions ont été prises pour que Julian et sa mère rendent visite à Lennon à Los Angeles, où ils sont allés à Disneyland. [207] Julian a commencé à voir son père régulièrement et Lennon lui a donné un rôle de batterie sur un Murs et ponts Piste. [208] Il a acheté à Julian une guitare Gibson Les Paul et d'autres instruments et a encouragé son intérêt pour la musique en démontrant des techniques d'accord de guitare. [208] Julian se souvient que lui et son père « s'entendaient beaucoup mieux » pendant le temps qu'il passait à New York : « Nous nous sommes beaucoup amusés, avons beaucoup ri et avons passé un bon moment en général. [209]

Dans un Playboy interview avec David Sheff peu de temps avant sa mort, Lennon a déclaré: "Sean est un enfant planifié, et c'est là que réside la différence. Je n'aime pas moins Julian en tant qu'enfant. Il est toujours mon fils, qu'il vienne d'une bouteille de whisky ou parce qu'ils n'avaient pas de pilules à l'époque. Il est ici, il m'appartient et il le sera toujours. [210] Il a dit qu'il essayait de rétablir un lien avec le jeune de 17 ans d'alors et a prédit avec confiance : « Julian et moi aurons une relation à l'avenir. [210] Après sa mort, il a été révélé qu'il avait très peu laissé Julian dans son testament. [211]

Yoko Ono

Lennon a rencontré Yoko Ono pour la première fois le 9 novembre 1966 à la galerie Indica de Londres, où Ono préparait son exposition d'art conceptuel. Ils ont été présentés par le galeriste John Dunbar. [212] Lennon a été intrigué par « Hammer A Nail » d'Ono : les clients ont enfoncé un clou dans une planche de bois, créant ainsi l'œuvre d'art. Bien que l'exposition n'ait pas encore commencé, Lennon a voulu enfoncer un clou dans la planche propre, mais Ono l'a arrêté. Dunbar lui a demandé : « Vous ne savez pas qui c'est ? C'est un millionnaire ! Il pourrait l'acheter. D'après les souvenirs de Lennon en 1980, Ono n'avait pas entendu parler des Beatles, mais elle a cédé à condition que Lennon lui paie cinq shillings, ce à quoi Lennon a dit qu'il avait répondu : « Je vais vous donner cinq shillings imaginaires et enfoncer un clou imaginaire dans ." [213] Ono a par la suite raconté que Lennon avait pris une bouchée de la pomme exposée dans son travail Pomme, à sa grande fureur. [214] [n° 7]

Ono a commencé à téléphoner et à rendre visite à Lennon chez lui. Lorsque Cynthia lui a demandé une explication, Lennon a expliqué qu'Ono essayait seulement d'obtenir de l'argent pour ses « conneries d'avant-garde ». [217] Pendant que sa femme était en vacances en Grèce en mai 1968, Lennon a invité Ono à lui rendre visite. Ils ont passé la nuit à enregistrer ce qui allait devenir le deux vierges album, après quoi, dit-il, ils "ont fait l'amour à l'aube". [218] Lorsque la femme de Lennon est rentrée à la maison, elle a trouvé Ono portant son peignoir et buvant du thé avec Lennon qui a simplement dit : « Oh, bonjour ». [219] Ono est tombée enceinte en 1968 et a fait une fausse couche à un enfant de sexe masculin le 21 novembre 1968, [169] quelques semaines après que le divorce de Lennon d'avec Cynthia a été accordé. [220]

Deux ans avant la dissolution des Beatles, Lennon et Ono ont commencé à manifester publiquement contre la guerre du Vietnam. Ils se sont mariés à Gibraltar le 20 mars 1969 [221] et ont passé leur lune de miel au Hilton Amsterdam, faisant campagne avec un Bed-In for Peace d'une semaine. Ils ont planifié un autre Bed-In aux États-Unis, mais se sont vu refuser l'entrée, [222] alors en ont tenu un à la place à l'hôtel Queen Elizabeth à Montréal, où ils ont enregistré "Give Peace a Chance". [223] Ils ont souvent combiné le plaidoyer avec l'art de la performance, comme dans leur « Bagisme », présenté pour la première fois lors d'une conférence de presse à Vienne. Lennon a détaillé cette période dans la chanson des Beatles « The Ballad of John and Yoko ». [224] Lennon a changé son nom par sondage d'acte le 22 avril 1969, en ajoutant « Ono » comme deuxième prénom. La brève cérémonie a eu lieu sur le toit de l'immeuble Apple Corps, où les Beatles avaient donné leur concert sur le toit trois mois plus tôt. Bien qu'il ait utilisé le nom John Ono Lennon par la suite, certains documents officiels l'appelaient John Winston Ono Lennon. [1] Le couple s'est installé à Tittenhurst Park à Sunninghill dans le Berkshire. [225] Après qu'Ono ait été blessé dans un accident de voiture, Lennon s'est arrangé pour qu'un lit king-size soit apporté au studio d'enregistrement alors qu'il travaillait sur le dernier album des Beatles, Route de l'Abbaye. [226]

Ono et Lennon ont déménagé à New York, dans un appartement sur Bank Street, Greenwich Village. À la recherche d'un endroit avec une meilleure sécurité, ils ont déménagé en 1973 dans le Dakota, plus sécurisé, surplombant Central Park au 1 West 72nd Street. [227]

Mai Pang

ABKCO Industries a été créée en 1968 par Allen Klein en tant que société faîtière d'ABKCO Records. Klein a embauché May Pang comme réceptionniste en 1969. En participant à un projet avec ABKCO, Lennon et Ono l'ont rencontrée l'année suivante. Elle est devenue son assistant personnel. En 1973, après avoir travaillé avec le couple pendant trois ans, Ono a confié qu'elle et Lennon se séparaient. Elle a ensuite suggéré que Pang devrait commencer une relation physique avec Lennon, en lui disant: "Il t'aime beaucoup." Abasourdi par la proposition d'Ono, Pang accepta néanmoins de devenir le compagnon de Lennon. Le couple est rapidement parti pour Los Angeles, commençant une période de 18 mois qu'il a appelée plus tard son "week-end perdu". [137] À Los Angeles, Pang a encouragé Lennon à développer des contacts réguliers avec Julian, qu'il n'avait pas vu depuis deux ans. Il a également ravivé des amitiés avec Starr, McCartney, le roadie des Beatles Mal Evans et Harry Nilsson. Pendant que Lennon buvait avec Nilsson, il a mal compris quelque chose que Pang avait dit et a tenté de l'étrangler. Lennon n'a cédé qu'après avoir été physiquement retenu par Nilsson. [228]

En juin, Lennon et Pang sont retournés à Manhattan dans leur appartement penthouse nouvellement loué où ils ont préparé une chambre d'amis pour Julian lorsqu'il leur a rendu visite. [228] Lennon, qui avait été inhibé par Ono à cet égard, a commencé à rétablir le contact avec d'autres parents et amis. En décembre, lui et Pang envisageaient d'acheter une maison et il refusa d'accepter les appels téléphoniques d'Ono. En janvier 1975, il accepte de rencontrer Ono, qui prétend avoir trouvé un remède contre le tabagisme. Après la réunion, il n'a pas réussi à rentrer chez lui ou à appeler Pang. Lorsque Pang a téléphoné le lendemain, Ono lui a dit que Lennon n'était pas disponible parce qu'il était épuisé après une séance d'hypnothérapie. Deux jours plus tard, Lennon est réapparu à un rendez-vous dentaire commun, il était stupéfait et confus à un point tel que Pang a cru qu'il avait subi un lavage de cerveau. Lennon a dit à Pang que sa séparation d'avec Ono était maintenant terminée, bien qu'Ono lui permette de continuer à la voir comme sa maîtresse. [229]

Sean Lennon

Ono avait déjà fait trois fausses couches dans sa tentative d'avoir un enfant avec Lennon. Lorsque Ono et Lennon ont été réunis, elle est redevenue enceinte. Elle a d'abord dit qu'elle voulait se faire avorter, mais a changé d'avis et a accepté de laisser la grossesse se poursuivre à condition que Lennon adopte le rôle de mari au foyer, ce qu'il a accepté de faire. [230]

Après la naissance de Sean, la pause subséquente de Lennon dans l'industrie de la musique durera cinq ans. Il a demandé à un photographe de prendre des photos de Sean tous les jours de sa première année et a créé de nombreux dessins pour lui, qui ont été publiés à titre posthume sous le titre Vrai amour : les dessins de Sean. Lennon déclara plus tard avec fierté : « Il n'est pas sorti de mon ventre mais, par Dieu, j'ai fait ses os, parce que j'ai assisté à chaque repas, et à la façon dont il dort, et au fait qu'il nage comme un poisson ." [231]

Anciens Beatles

Alors que Lennon est resté constamment ami avec Starr pendant les années qui ont suivi la rupture des Beatles en 1970, ses relations avec McCartney et Harrison ont varié. Il était initialement proche de Harrison, mais les deux se sont éloignés après que Lennon a déménagé aux États-Unis en 1971. Quand Harrison était à New York pour son séjour en décembre 1974 Cheval noir tournée, Lennon a accepté de le rejoindre sur scène mais n'a pas comparu après une dispute sur le refus de Lennon de signer un accord qui dissoudrait finalement le partenariat juridique des Beatles. [232] [nb 8] Harrison a dit plus tard que lorsqu'il a rendu visite à Lennon pendant ses cinq ans loin de la musique, il a senti que Lennon essayait de communiquer, mais son lien avec Ono l'a empêché. [233] Harrison a offensé Lennon en 1980 lorsqu'il a publié une autobiographie qui faisait peu mention de lui. [234] Lennon a dit Playboy, "J'en ai été blessé. Par omission flagrante. mon influence sur sa vie est absolument nulle. Il se souvient de chaque saxophoniste ou guitariste qu'il a rencontré au cours des années suivantes. Je ne suis pas dans le livre." [235]

Les sentiments les plus intenses de Lennon étaient réservés à McCartney. En plus de l'attaquer avec les paroles de "How Do You Sleep?", Lennon s'est disputé avec lui dans la presse pendant trois ans après la séparation du groupe. Les deux ont ensuite commencé à rétablir quelque chose de l'amitié étroite qu'ils avaient connue autrefois, et en 1974, ils ont même joué à nouveau de la musique ensemble avant de se séparer à nouveau. Lors de la dernière visite de McCartney en avril 1976, Lennon a déclaré qu'ils avaient regardé l'épisode de Saturday Night Live dans lequel Lorne Michaels a fait une offre de 3 000 $ pour que les Beatles se réunissent dans la série. [236] Selon Lennon, le couple a envisagé d'aller au studio pour faire une blague, tentant de réclamer leur part de l'argent, mais ils étaient trop fatigués. [237] Lennon a résumé ses sentiments envers McCartney dans une interview trois jours avant sa mort : « Tout au long de ma carrière, j'ai choisi de travailler avec… seulement deux personnes : Paul McCartney et Yoko Ono. Ce n'est pas un mauvais choix. [238]

Parallèlement à son éloignement de McCartney, Lennon a toujours ressenti une compétitivité musicale avec lui et a gardé une oreille attentive à sa musique. Pendant la pause de sa carrière de 1975 jusqu'à peu de temps avant sa mort, selon Fred Seaman, l'assistant de Lennon et Ono à l'époque, Lennon se contentait de rester assis tant que McCartney produisait ce que Lennon considérait comme du matériel médiocre. [239] Lennon a remarqué quand McCartney a sorti "Coming Up" en 1980, qui était l'année où Lennon est revenu au studio. "Ça me rend des crackers !" se plaignit-il en plaisantant, parce qu'il n'arrivait pas à se sortir l'air de la tête. [239] La même année, on a demandé à Lennon si le groupe était des ennemis redoutés ou les meilleurs amis, et il a répondu qu'ils n'étaient ni l'un ni l'autre et qu'il n'en avait vu aucun depuis longtemps. Mais il a aussi dit : "J'aime toujours ces gars. Les Beatles sont finis, mais John, Paul, George et Ringo continuent." [240]

Lennon et Ono ont utilisé leur lune de miel comme Bed-In for Peace à l'hôtel Hilton d'Amsterdam, l'événement de mars 1969 a attiré le ridicule des médias du monde entier. [241] [242] Pendant un deuxième Bed-In trois mois plus tard à l'hôtel Queen Elizabeth à Montréal, [243] Lennon a écrit et enregistré "Donnez une chance à la paix". Sorti en single, la chanson a été rapidement interprétée comme un hymne anti-guerre et chantée par un quart de million de manifestants contre la guerre du Vietnam à Washington, DC, le 15 novembre, le deuxième Jour du Moratoire du Vietnam. [92] [244] En décembre, ils ont payé des panneaux d'affichage dans 10 villes à travers le monde qui ont déclaré, dans la langue nationale, "La guerre est finie ! Si vous le voulez". [245]

Au cours de l'année, Lennon et Ono ont commencé à soutenir les efforts de la famille de James Hanratty pour prouver son innocence. [246] Hanratty avait été pendu en 1962. Selon Lennon, ceux qui avaient condamné Hanratty étaient « les mêmes personnes qui lancent des fusils en Afrique du Sud et tuent des Noirs dans les rues. Les mêmes salauds contrôlent, les mêmes personnes courent. tout, c'est toute la scène bourgeoise de conneries." [247] À Londres, Lennon et Ono ont organisé une marche de bannière « La Grande-Bretagne assassinée Hanratty » et une « Protestation silencieuse pour James Hanratty », [248] et ont produit un documentaire de 40 minutes sur le cas. Lors d'une audience d'appel plus de trente ans plus tard, la condamnation de Hanratty a été confirmée après que des preuves ADN se soient avérées correspondre. [249]

Lennon et Ono ont montré leur solidarité avec le travail des travailleurs de Clydeside UCS de 1971 en envoyant un bouquet de roses rouges et un chèque de 5 000 £. [250] En déménageant à New York en août de la même année, ils se sont liés d'amitié avec deux des Sept de Chicago, les militants pour la paix Yippie Jerry Rubin et Abbie Hoffman. [251] Un autre militant politique, John Sinclair, poète et co-fondateur du White Panther Party, purgeait dix ans de prison pour avoir vendu deux joints de marijuana après des condamnations antérieures pour possession de drogue. [252] En décembre 1971 à Ann Arbor, Michigan, 15 000 personnes ont assisté au "John Sinclair Freedom Rally", un concert de protestation et de bienfaisance avec des contributions de Lennon, Stevie Wonder, Bob Seger, Bobby Seale du Black Panther Party et d'autres. [253] Lennon et Ono, soutenus par David Peel et Jerry Rubin, ont interprété un ensemble acoustique de quatre chansons de leur prochain Quelque temps à New York album comprenant "John Sinclair", dont les paroles appelaient à sa sortie. La veille du rassemblement, le Sénat du Michigan a adopté un projet de loi qui réduisait considérablement les sanctions pour possession de marijuana et quatre jours plus tard, Sinclair a été libéré sous caution d'appel. [128] La performance a été enregistrée et deux des pistes sont apparues plus tard sur Anthologie de John Lennon (1998). [254]

À la suite de l'incident du Bloody Sunday en Irlande du Nord en 1972, au cours duquel quatorze manifestants des droits civiques non armés ont été abattus par l'armée britannique, Lennon a déclaré qu'étant donné le choix entre l'armée et l'IRA (qui n'étaient pas impliqués dans l'incident), il se rangerait du côté avec ce dernier. Lennon et Ono ont écrit deux chansons pour protester contre la présence britannique et les actions en Irlande pour leur Quelque temps à New York album : "La Chance des Irlandais" et "Sunday Bloody Sunday". En 2000, David Shayler, un ancien membre du service de sécurité intérieure britannique MI5, a suggéré que Lennon avait donné de l'argent à l'IRA, bien que cela ait été rapidement démenti par Ono. [255] Le biographe Bill Harry rapporte qu'après Bloody Sunday, Lennon et Ono ont soutenu financièrement la production du film Les bandes irlandaises, un documentaire politique aux accents républicains irlandais. [256]

Selon les rapports de surveillance du FBI, et confirmés par Tariq Ali en 2006, Lennon était sympathique à l'International Marxist Group, un groupe trotskyste formé en Grande-Bretagne en 1968. [258] Cependant, le FBI considérait que Lennon avait une efficacité limitée en tant que révolutionnaire, car il était "constamment sous l'emprise de stupéfiants". [259]

En 1973, Lennon a contribué à un limerick intitulé "Pourquoi le rendre triste d'être gay?" chez Len Richmond Le livre de la libération gay. [260] Le dernier acte d'activisme politique de Lennon était une déclaration en faveur des travailleurs de l'assainissement minoritaires en grève à San Francisco le 5 décembre 1980. Lui et Ono avaient prévu de se joindre à la protestation des travailleurs le 14 décembre. [261]

Tentative d'expulsion

Suite à l'impact de "Give Peace a Chance" et "Happy Xmas (War Is Over)" sur le mouvement anti-guerre, l'administration Nixon a entendu des rumeurs de l'implication de Lennon dans un concert qui se tiendrait à San Diego en même temps que le Convention nationale républicaine [262] et a tenté de le faire expulser. Nixon croyait que les activités anti-guerre de Lennon pourraient lui coûter sa réélection [263] Le sénateur républicain Strom Thurmond a suggéré dans une note de février 1972 que « la déportation serait une contre-mesure stratégique » contre Lennon. [264] Le mois suivant, le Service d'immigration et de naturalisation des États-Unis (INS) a entamé une procédure d'expulsion, arguant que sa condamnation pour un délit en 1968 pour possession de cannabis à Londres l'avait rendu inadmissible à l'admission aux États-Unis. Lennon a passé les trois années et demie suivantes dans et hors des audiences d'expulsion jusqu'au 8 octobre 1975, lorsqu'une cour d'appel a interdit la tentative d'expulsion, déclarant que « les tribunaux ne toléreront pas une expulsion sélective fondée sur des motifs politiques secrets ». [265] [130] Pendant que la bataille juridique a continué, Lennon a assisté à des rassemblements et a fait des apparitions à la télévision. Lui et Ono ont co-organisé Le spectacle de Mike Douglas pendant une semaine en février 1972, présentant des invités tels que Jerry Rubin et Bobby Seale à la mi-Amérique. [266] En 1972, Bob Dylan a écrit une lettre à l'INS pour défendre Lennon, déclarant :

John et Yoko ajoutent une voix et un dynamisme formidables à la soi-disant institution artistique du pays. Ils inspirent, transcendent et stimulent et, ce faisant, aident seulement les autres à voir la lumière pure et, ce faisant, mettent fin à ce goût terne de petit mercantilisme qui est fait passer pour de l'art d'artiste par les médias de masse accablants. Hourra pour John et Yoko. Qu'ils restent et vivent ici et respirent. Le pays a beaucoup d'espace et d'espace. Laisse John et Yoko rester ! [267] [268]

Le 23 mars 1973, Lennon reçut l'ordre de quitter les États-Unis dans les 60 jours. [269] Ono, quant à lui, a obtenu la résidence permanente. En réponse, Lennon et Ono ont tenu une conférence de presse le 1er avril 1973 à l'Association du barreau de New York, où ils ont annoncé la formation de l'État de Nutopia, un endroit sans « pas de terres, pas de frontières, pas de passeports, seulement des gens ». [270] Agitant le drapeau blanc de Nutopia (deux mouchoirs), ils demandent l'asile politique aux États-Unis. La conférence de presse a été filmée et est apparue dans un documentaire de 2006, Les États-Unis contre John Lennon. [271] [nb 9] Peu de temps après la conférence de presse, l'implication de Nixon dans un scandale politique a été révélée et en juin les audiences du Watergate ont commencé à Washington, DC. Ils ont conduit à la démission du président 14 mois plus tard. [273] En décembre 1974, quand lui et les membres de son entourage de tournée ont visité la Maison Blanche, Harrison a demandé à Gerald Ford, le successeur de Nixon, d'intercéder dans l'affaire. [274] L'administration de Ford a montré peu d'intérêt à poursuivre la bataille contre Lennon, et l'arrêté d'expulsion a été annulé en 1975. L'année suivante, Lennon a reçu sa carte verte certifiant sa résidence permanente, et lorsque Jimmy Carter a été investi président en janvier 1977, Lennon et Ono ont assisté au bal inaugural. [273]

Surveillance du FBI et documents déclassifiés

Après la mort de Lennon, l'historien Jon Wiener a déposé une demande en vertu de la Freedom of Information Act pour les dossiers du FBI qui documentaient le rôle du Bureau dans la tentative d'expulsion. [275] Le FBI a admis qu'il avait 281 pages de dossiers sur Lennon, mais a refusé de divulguer la plupart d'entre eux au motif qu'ils contenaient des informations de sécurité nationale. En 1983, Wiener a poursuivi le FBI avec l'aide de l'American Civil Liberties Union of Southern California. Il a fallu 14 ans de litige pour forcer le FBI à publier les pages retenues. [276] L'ACLU, représentant Wiener, a obtenu une décision favorable dans son action contre le FBI dans le neuvième circuit en 1991. [277] Le ministère de la Justice a fait appel de la décision devant la Cour suprême en avril 1992, mais le tribunal a refusé de revoir le Cas. [278] En 1997, respectant la nouvelle règle du président Bill Clinton selon laquelle les documents ne devraient être retenus que si leur divulgation impliquait un « dommage prévisible », le ministère de la Justice a réglé la plupart des questions en suspens à l'extérieur du tribunal en publiant tous les documents contestés, sauf 10. [278]

Wiener a publié les résultats de sa campagne de 14 ans en janvier 2000. Donne-moi de la vérité : les dossiers du FBI de John Lennon contenait des fac-similés des documents, y compris « de longs rapports d'informateurs confidentiels détaillant la vie quotidienne des militants anti-guerre, des notes de service à la Maison Blanche, des transcriptions d'émissions télévisées sur lesquelles Lennon est apparu, et une proposition que Lennon soit arrêté par la police locale pour trafic de drogue. des charges". [279] L'histoire est racontée dans le documentaire Les États-Unis contre John Lennon. Les 10 derniers documents du dossier du FBI de Lennon, qui faisaient état de ses liens avec des militants anti-guerre de Londres en 1971 et avaient été retenus comme contenant « des informations de sécurité nationale fournies par un gouvernement étranger sous une promesse explicite de confidentialité », ont été publiés en décembre 2006. Ils ne contenaient aucune indication que le gouvernement britannique avait considéré Lennon comme une menace sérieuse. [280]

Le biographe des Beatles, Bill Harry, a écrit que Lennon a commencé à dessiner et à écrire de manière créative dès son plus jeune âge avec les encouragements de son oncle. Il a rassemblé ses histoires, sa poésie, ses dessins animés et ses caricatures dans un cahier d'exercices de Quarry Bank High School qu'il a appelé le Hurlement quotidien. Les dessins représentaient souvent des personnes paralysées et les écrits satiriques, et tout au long du livre, il y avait une abondance de jeux de mots. Selon son camarade de classe Bill Turner, Lennon a créé le Hurlement quotidien pour amuser son meilleur ami et plus tard son compagnon de groupe de Quarrymen Pete Shotton, à qui il montrerait son travail avant de laisser quelqu'un d'autre le voir. Turner a déclaré que Lennon "avait une obsession pour Wigan Pier. Cela n'arrêtait pas de surgir", et dans l'histoire de Lennon Une carotte dans une mine de pommes de terre, "la mine était au bout de la jetée de Wigan." Turner a décrit comment l'un des dessins animés de Lennon représentait un panneau d'arrêt de bus annoté de la question « Pourquoi ? » Au-dessus se trouvait une crêpe volante, et en dessous, "un aveugle portant des lunettes conduisant un chien aveugle - portant également des lunettes". [281]

L'amour de Lennon pour les jeux de mots et les bêtises avec une touche a trouvé un public plus large quand il avait 24 ans. Harry écrit que Dans sa propre écriture (1964) a été publié après "Un journaliste qui traînait dans les Beatles est venu me voir et j'ai fini par lui montrer le truc. Ils ont dit: 'Ecris un livre' et c'est comme ça que le premier est né". Comme le Hurlement quotidien il contenait un mélange de formats comprenant des nouvelles, de la poésie, des pièces de théâtre et des dessins. Une histoire, "Good Dog Nigel", raconte l'histoire d'"un chien heureux, urinant sur un lampadaire, aboyant, remuant la queue - jusqu'à ce qu'il entende soudainement un message qu'il sera tué à trois heures". Le supplément littéraire du Times considéraient les poèmes et les histoires "remarquables . aussi très drôles . le non-sens se poursuit, les mots et les images s'enchaînent dans une chaîne de pure fantaisie". Semaine du livre a rapporté : « C'est une écriture absurde, mais il suffit de passer en revue la littérature sur l'absurdité pour voir à quel point Lennon l'a bien réussi. Alors que certains de ses homonymes sont des jeux de mots gratuits, beaucoup d'autres ont non seulement un double sens mais un double tranchant. " Lennon a été non seulement surpris par l'accueil positif, mais aussi par le fait que le livre a été examiné du tout, et a suggéré que les lecteurs "prennent le livre plus au sérieux que moi-même. Cela a commencé comme un rire pour moi". [282]

En combinaison avec Un Espagnol dans les Travaux (1965), Dans sa propre écriture a constitué la base de la pièce de théâtre La pièce de John Lennon : dans sa propre écriture, co-adapté par Victor Spinetti et Adrienne Kennedy. Après des négociations entre Lennon, Spinetti et le directeur artistique du National Theatre, Sir Laurence Olivier, la pièce a été ouverte au Old Vic en 1968. Lennon et Ono ont assisté à la représentation de la soirée d'ouverture, leur deuxième apparition publique ensemble. [283] En 1969, Lennon a écrit « Four in Hand », un sketch basé sur ses expériences adolescentes de masturbation en groupe, pour la pièce de Kenneth Tynan Oh! Calcutta ! [284] Après la mort de Lennon, d'autres travaux ont été publiés, y compris Skywriting par bouche à oreille (1986), Ai: Japan Through John Lennon's Eyes: A Personal Sketchbook (1992), avec les illustrations de Lennon des définitions des mots japonais, et Vrai amour : les dessins de Sean (1999). L'anthologie des Beatles (2000) ont également présenté des exemples de ses écrits et dessins.

Instruments joués

Lennon a joué de l'orgue à bouche lors d'un voyage en bus pour rendre visite à son cousin en Écosse, la musique a attiré l'oreille du conducteur. Impressionné, le chauffeur a parlé à Lennon d'un harmonica qu'il pourrait avoir s'il venait à Édimbourg le lendemain, où un avait été stocké dans le dépôt de bus depuis qu'un passager l'avait laissé dans un bus. [285] L'instrument professionnel a rapidement remplacé le jouet de Lennon. Il continuerait à jouer de l'harmonica, en utilisant souvent l'instrument pendant les années hambourgeoises des Beatles, et c'est devenu une signature sonore dans les premiers enregistrements du groupe. Sa mère lui a appris à jouer du banjo, lui achetant plus tard une guitare acoustique. A 16 ans, il joue de la guitare rythmique avec les Quarrymen. [286]

Au fur et à mesure que sa carrière progressait, il a joué sur une variété de guitares électriques, principalement la Rickenbacker 325, l'Epiphone Casino et la Gibson J-160E, et, dès le début de sa carrière solo, la Gibson Les Paul Junior. [287] [288] Double Fantaisie Le producteur Jack Douglas a affirmé que depuis l'époque des Beatles, Lennon avait l'habitude d'accorder sa corde en D légèrement à plat, afin que sa tante Mimi puisse dire quelle guitare était la sienne sur les enregistrements. [289] Occasionnellement, il jouait d'une guitare basse à six cordes, la Fender Bass VI, fournissant de la basse sur certains numéros des Beatles ("Back in the USSR", "The Long and Winding Road", "Helter Skelter") qui occupaient McCartney avec un autre instrument. [290] Son autre instrument de prédilection était le piano, sur lequel il a composé de nombreuses chansons, y compris "Imagine", décrit comme son œuvre solo la plus connue. [291] Son jam sur un piano avec McCartney en 1963 a conduit à la création du premier numéro un américain des Beatles, "Je veux tenir ta main". [292] En 1964, il est devenu l'un des premiers musiciens britanniques à acquérir un clavier Mellotron, bien qu'il n'ait pas été entendu sur un enregistrement des Beatles avant "Strawberry Fields Forever" en 1967. [293]

Style vocal

Le critique britannique Nik Cohn a observé à propos de Lennon : « Il possédait l'une des meilleures voix pop de tous les temps, râpée et écrasée et maussade, toujours féroce. » Cohn a écrit que Lennon, interprétant « Twist and Shout », « se frayerait un chemin dans l'incohérence totale, se romprait à moitié ». [294] Lorsque les Beatles ont enregistré la chanson, la dernière piste de la session gigantesque d'une journée qui a produit le premier album du groupe en 1963, S'il-te-plait fais moi plaisir, la voix de Lennon, déjà compromise par un rhume, faillit céder. Lennon a déclaré: "Je ne pouvais pas chanter cette fichue chose, je criais juste." [295] Selon les mots du biographe Barry Miles, "Lennon a simplement déchiqueté ses cordes vocales dans l'intérêt du rock 'n' roll." [296] Le producteur des Beatles, George Martin, raconte comment Lennon « avait une aversion innée pour sa propre voix que je ne pourrais jamais comprendre. Il me disait toujours : 'Fais quelque chose avec ma voix ! . ce différent.'" [297] Martin a obligé, en utilisant souvent la double piste et d'autres techniques.

Au fur et à mesure que son ère des Beatles entrait dans sa carrière solo, sa voix chantée a trouvé une gamme d'expression de plus en plus large.Le biographe Chris Gregory écrit à propos de Lennon « commençant provisoirement à exposer ses insécurités dans un certain nombre de ballades « confessionnelles » acoustiques, commençant ainsi le processus de « thérapie publique » qui finira par aboutir aux cris primitifs de « Cold Turkey » et de la cathartique. John Lennon/Plastic Ono Band. " [298] Le critique musical Robert Christgau a qualifié ce Lennon de " la plus grande performance vocale . du cri au gémissement, est modulé électroniquement. fait écho, filtré et doublé. » [299] David Stuart Ryan a décrit la prestation vocale de Lennon comme allant de « une vulnérabilité extrême, une sensibilité et même de la naïveté » à un style « râpeux » dur. [300] Wiener a également décrit les contrastes, affirmant que le chanteur la voix peut être « au début maîtrisée, bientôt elle craque presque de désespoir » [301] L'historien de la musique Ben Urish se souvient avoir entendu les Beatles Spectacle Ed Sullivan interprétation de "This Boy" jouée à la radio quelques jours après le meurtre de Lennon : "Alors que la voix de Lennon atteignait son apogée, ça faisait trop mal de l'entendre crier avec autant d'angoisse et d'émotion. Mais ce sont mes émotions que j'ai entendues dans sa voix. Comme je l'ai toujours fait." [302]

Les historiens de la musique Schinder et Schwartz ont écrit sur la transformation des styles de musique populaire qui a eu lieu entre les années 1950 et 1960. Ils ont dit que l'influence des Beatles ne peut pas être surestimée : après avoir « révolutionné le son, le style et l'attitude de la musique populaire et ouvert les portes du rock and roll à un raz-de-marée d'actes de rock britannique », le groupe « a ensuite passé le reste des années 1960 élargir les frontières stylistiques du rock". [303] Liam Gallagher et son groupe Oasis étaient parmi les nombreux qui ont reconnu l'influence du groupe, il a identifié Lennon comme un héros. En 1999, il a nommé son premier fils Lennon Gallagher en hommage. [304] Le jour de la poésie nationale en 1999, la BBC a mené un sondage pour identifier les paroles de chanson préférées du Royaume-Uni et a annoncé "Imagine" comme le gagnant. [116]

En 1997, Yoko Ono et la Fondation BMI ont établi un programme annuel de concours de musique pour les auteurs-compositeurs de genres musicaux contemporains afin d'honorer la mémoire de John Lennon et son vaste héritage créatif. [305] Plus de 400 000 $ ont été donnés par l'intermédiaire de la Fondation BMI Bourses John Lennon à de jeunes musiciens talentueux aux États-Unis. [305]

Dans un 2006 Gardien article, Jon Wiener a écrit: "Pour les jeunes en 1972, c'était passionnant de voir le courage de Lennon à tenir tête à [US President] Nixon. Cette volonté de prendre des risques avec sa carrière et sa vie, est l'une des raisons pour lesquelles les gens admirent toujours lui aujourd'hui." [306] Pour les historiens de la musique Urish et Bielen, l'effort le plus important de Lennon était « les autoportraits… dans ses chansons [qui] parlaient de, pour et au sujet de la condition humaine. [307]

En 2013, Downtown Music Publishing a signé un accord d'administration de l'édition pour les États-Unis avec Lenono Music et Ono Music, qui hébergent respectivement les catalogues de chansons de John Lennon et Yoko Ono. Selon les termes de l'accord, Downtown représente les œuvres solo de Lennon, notamment "Imagine", "Instant Karma (We All Shine On)", "Power to the People", "Happy Xmas (War Is Over)", "Jealous Guy" , "(Tout comme) Recommencer" et d'autres. [308]

Lennon continue d'être pleuré dans le monde entier et a fait l'objet de nombreux mémoriaux et hommages. En 2002, l'aéroport de la ville natale de Lennon a été rebaptisé Liverpool John Lennon Airport. [309] À l'occasion de ce qui aurait été le 70e anniversaire de Lennon en 2010, Cynthia et Julian Lennon ont dévoilé le monument de la paix de John Lennon à Chavasse Park, Liverpool. [310] La sculpture, intitulée Paix et harmonie, présente des symboles de paix et porte l'inscription "Paix sur Terre pour la conservation de la vie · En l'honneur de John Lennon 1940–1980". [311] En décembre 2013, l'Union astronomique internationale a nommé l'un des cratères de Mercure d'après Lennon. [312]

Distinctions

Le partenariat de composition de chansons Lennon-McCartney est considéré comme l'un des plus influents et des plus réussis du XXe siècle. En tant qu'interprète, écrivain ou co-scénariste, Lennon avait 25 singles numéro un dans le classement US Hot 100. [nb 10] Ses ventes d'albums aux États-Unis s'élèvent à 14 millions d'unités. [318] Double Fantaisie était son album le plus vendu, [319] à trois millions d'expéditions aux États-Unis. [320] Sorti peu de temps avant sa mort, il a remporté le Grammy Award 1981 pour l'album de l'année. [321] L'année suivante, le BRIT Award for Outstanding Contribution to Music a été décerné à Lennon. [322]

Les participants à un sondage de la BBC en 2002 l'ont élu huitième des « 100 plus grands Britanniques ». [323] Entre 2003 et 2008, Pierre roulante reconnu Lennon dans plusieurs critiques d'artistes et de musique, le classant cinquième des « 100 plus grands chanteurs de tous les temps » [324] et 38e des « 100 plus grands artistes de tous les temps », [325] et ses albums John Lennon/Plastic Ono Band et Imaginer, respectivement 22e et 76e des "500 plus grands albums de tous les temps de Rolling Stone". [325] [326] Il a été nommé Membre de l'Ordre de l'Empire britannique (MBE) avec les autres Beatles en 1965 (revenu en 1969). [327] [328] Lennon a été intronisé à titre posthume au Songwriters Hall of Fame en 1987 [329] et au Rock and Roll Hall of Fame en 1994. [330]


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même JÉHOVAH qui a choisi Jér usa lem te réprimande » (Zacharie 3:1-2).

Saint Paul a dit "nous (les chrétiens) avons un grand souverain sacrificateur, JOSHUA le Fils d'Elohim" (Hébreux 4:14).

LE NOM DU MESSIE JUIF EN HÉBREU EST JOSHUA BEN DAVID,
ET EN ANGLAIS JOSHUA LE FILS DE DAVID (JOSHUA DAVID).

Vers 1730 avant JC, le patriarche Jacob ou Israël a prédit que sa nation perdurerait jusqu'à la venue du Messie :
"Le sceptre ne s'éloignera pas de JUDAH, ni un législateur de ses reins, JUSQU'À CE QUE SHILOH vienne
et c'est à lui que sera le rassemblement du peuple" (Genèse 49:10).

"Quand JUDA l'a vue (Tamar), il a pensé qu'elle était une prostituée (prostituée)
parce qu'elle avait couvert son visage " (Genèse 38:15).

Le prophète Malachie a prédit qu'Elie le prophète viendrait avant Shiloh !
Jean-Baptiste a accompli cette prophétie en venant dans l'esprit et la puissance d'Elie !

Le roi David a commencé à régner à l'âge de 30 ans, et il a régné pendant 40 ans (II Samuel 5:4).
Shiloh a été manifesté à Israël quand il avait 30 ans (Saint Luc 3:3), et exactement 40 ans
plus tard, les légions romaines détruisirent Israël à cet endroit pour toujours (Amos 5:2, Daniel 9:26).

JUDAH ISCARIOT —l'un des 12 apôtres—est un type remarquable d'Israël ancien et moderne. Juda
a trahi le Messie pour 30 pièces d'argent, puis s'est autodétruit en se suicidant
(Jérémie 17 :1, Zacharie 11 :12, Saint Matthieu 27 :3).

En 70 après JC, l'ancien Israël s'est suicidé en prenant les armes contre le puissant Empire romain,
et les « juifs suicidaires » modernes sont toujours très désireux de déclencher Armageddon et de rejoindre Juda dans l’Hadès !!

L'ÉGLISE DE ROMA EST DIVISÉE EN 3 SECTIONS : L'ÉGLISE MILITANTE,
L'ÉGLISE SOUFFRANT ET L'ÉGLISE TRIOMPHANTE !

VOICI 166 PROFILS DES 16 NOMS LES PLUS POPULAIRES DE LA DYNASTIE PAPALE !

Joshua ben David a averti à plusieurs reprises le nouveau Jer usa lem de se méfier des faux "juifs" ou casher Nostra,
qui nient que le Messie est venu : "Je connais le blasphème de ceux qui se disent juifs
et ne sont pas, mais sont la synagogue de Satan " (Apocalypse 2:9, 3:9).

En donnant au Messie juif le nom latin JÉSUS, il calomnie aussi la Vierge Myriam
car cela implique qu'elle a commis la fornication avec Tiberius Julius Pantera !

Dans les Saintes Écritures, le divin Saint-Esprit est symbolisé par 7 yeux, 7 lampes de feu et 7 cornes :

"Car voici la PIERRE que j'ai posée devant JOSHUA : sur la PIERRE se trouvent SEPT YEUX.
Voici, je graverai son inscription, " dit JÉHOVAH des Armées, " et j'enlèverai le
iniquité de ce pays en un jour » (Zacharie 3:9, Apocalypse 4:5, 5:6).

La Réforme a commencé le 31 octobre 1517, lorsque le moine allemand Saint Martin Luther a cloué ses 95 thèses à la porte de l'église du château de Wittenberg, en Allemagne. Ce fut l'un des plus grands événements des 1000 dernières années. Saint Martin a fait une traduction de la Bible du grec et de l'hébreu en allemand. Bientôt tous les pays d'Europe suivirent son exemple en traduisant les Écritures dans leurs langues. Pour la première fois dans l'histoire, l'imprimerie récemment inventée a rendu la Parole de JÉHOVAH accessible à tous.

Lorsque Saint Martin fut excommunié par le Pape Léon X, il commença une étude intensive du Livre de Daniel et de l'Apocalypse de Saint Jean. C'est à partir d'une étude de ces 2 livres qui l'a amené à écrire son magnum opus intitulé Sur la captivité babylonienne de l'Église.

La fin de la captivité babylonienne des Juifs en 457 avant JC a conduit à la renaissance d'Israël et a commencé le compte à rebours de 490 ans avant la première venue du Messie. Ce livre explosif, publié en 1520, a envoyé des ondes de choc à travers le monde souterrain, et les retombées ont rapidement atteint le faux "empereur romain" Charles V. En conséquence, il a convoqué le Saint à la Diète de Worms, pour interdire publiquement le livre et se réconcilier avec Église de Rome.

L'année prochaine, c'est le 1990e anniversaire (30 AD�) de la mort et de la résurrection du Messie, au Golgotha, sur le mont des Oliviers !!

En 313, Romulus et Remus furent rebaptisés Saints Pierre et Paul !

En 1119, 9 "Moines Combattants" forment les Templiers à Jérusalem !

En mars 1945, les nazis de la Contre-Réforme testent une petite bombe thermonucléaire à deux pas du château de Wartburg !!

En mai 1521, à la Diète de Worms, Luther défendit courageusement De la captivité babylonienne de l'Église. Pour cette raison, l'électeur Frédéric le Sage craignait pour la vie du réformateur, et ses soldats "enlevèrent" le saint et le cachèrent dans le château de Wartburg. Pendant qu'il y était " emprisonné ", Luther traduisit la Bible de l'hébreu et du grec en allemand. C'est à cet endroit qu'il a également jeté l'encrier sur le Diable.


Le bureau et le mur de Saint Martin Luther
où il jeta l'encrier au Diable.

Le château de Wartburg, en Thuringe, est un site sacré et un lieu de pèlerinage pour tous les vrais chrétiens.

Les jésuites du "big bang" auraient adoré faire un Guy Fawkes sur le château, mais il était protégé par des anges et les collines environnantes.

Sur la gauche, on peut voir le bureau de Luther, et l'endroit où il a jeté l'encrier au diable. Au fil des siècles, les chasseurs de souvenirs ont enlevé des morceaux du mur.


Ground Zero était une vallée, juste une pierre
à deux pas du château de Wartburg.

En 1525, Saint Martin fit un autre pas qui provoqua la consternation au Vatican : il épousa sa bien-aimée, la religieuse échappée Sainte Katharine von Bora.


Le mariage des saints Martin et
Katharine, Wittenberg, 13 juin 1525.

Après son évasion de la Babylone spirituelle, Saint Martin a vite découvert que les moines et les nonnes n'étaient mentionnés nulle part dans la Sainte Bible !

En 1523, pour inaugurer le mouvement moderne de "libération des femmes", il aida un groupe de 12 religieuses à s'échapper du couvent de Nimbschen. L'une des évadées, Katharine von Bora, est devenue sa femme aimante et sa compagne.

Les saints Martin et Katharine sont devenus le partenariat parfait, alors qu'ils consacraient leur vie à leurs 4 enfants et démolissaient les murs épais de Babylone !


Sainte Catherine Luther
(1499 – 1552).

C'est une bonne chose qu'il n'y ait pas eu d'amendement allemand sur l'égalité des torts en vigueur à cette époque. Sinon, les rôles de genre auraient été complètement inversés, et il n'y aurait pas eu de partenariat parfait entre les 2 saints. Les moines et les nonnes sont les vrais transgenres parce qu'ils sont obsédés par le SEXE. . . et pourtant il leur est interdit de se marier et d'avoir des enfants (I Timothée 4:3).

La Babylone spirituelle est la Papauté, qui a commencé son ascension en 313 après JC et a reçu un coup dur en 1517. Cependant, la Babylone spirituelle a un TWIN. . . et son QG est à LONDRES. . . Babylone sur la Tamise !!

En 337, le MYSTÈRE, BABYLONE LA GRANDE, a commencé à Rome avec le pape Jules Ier.

En 1520, Babylone la Grande reçut un coup dur de la plume de saint Martin Luther.

La deuxième Babylone la Grande a commencé avec la fondation de la Compagnie des Indes orientales en 1600.

La Sainte Bible a prédit le temps de la naissance du Messie (Daniel 9:25) le emplacement de sa naissance (Michée 5:2), et son Saint Nom (Zacharie 6:11-13). Le secret de la grande force de Samson résidait dans son vœu nazaréen de ne pas se couper les cheveux, et la grande force du Messie résidait dans son Saint Nom.

Il y a plus de 3500 ans, sur le mont Sinaï, JÉHOVAH a donné à Moïse l'ALPHABET hébreu. Aujourd'hui, la plupart des nations utilisent un ALPHABET .

4 fois dans le livre de l'Apocalypse, le Messie s'appelle lui-même
Alpha et Omega, donc ces 2 lettres de l'alphabet grec
doit
soyez présent en son Saint Nom !!

Le nom JÉSUS est Latin, IESOUS dans grec, et ce ne peut pas être le nom du Messie car il manque 2 lettres vitales. Sous l'occupation romaine, la Vierge Myriam ne donnerait jamais à son fils un nom latin car cela impliquerait que l'enfant était illégitime. L'illégitimité était l'accusation même portée contre le Messie parce que les dirigeants ne croyaient pas qu'il était né d'une Vierge et donc de JÉHOVAH (Ésaïe 9:6).

Les vrais parents juifs étaient très, très traditionnel sur le nom de leurs enfants. Les noms les plus populaires pour les garçons étaient : Abraham, Isaac, Jacob, Joseph, Moïse, Josué, David. Les noms les plus populaires pour les filles étaient : Sarah, Rebekah, Rachel, Miriam, Deborah, Ruth, Abigail, etc., etc. Les noms se terminant par US, tels que Julius, Tiberius, Antonius, Pius etc., etc., sont romain noms. Sous l'occupation romaine, les Juifs ne donnaient pas de noms romains à leurs enfants. L'un des empereurs romains les plus célèbres ou infâmes s'appelait Jésus Constantin.

La dernière forme de monarchie, ou gouvernement tyrannique, est symbolisée par les 10 orteils du géant.

Pour rendre la prophétie plus claire, la grand-mère de Winston Winston, la reine Victoria, a eu 10 enfants : 9 avec le prince Albert et une fille top secrète en Suisse.

La Grande Pyramide a été construite par des jumeaux antédiluviens pour conserver une trace écrite de cette civilisation technologiquement avancée mais hautement corrompue.

"Parlez à la terre (plate et stationnaire), et
il t'enseignera (ne pas poison
avec des radiations mortelles)"
(Job 12:8).

Le Grand Canyon dans le New Je rusa lem est le plus magnifique aide visuelle cela prouve la véracité du livre de la Genèse.


Contenu

Jacob (Jacques) Jordaens est né le 19 mai 1593, premier de onze enfants, du riche marchand de lin Jacob Jordaens père et Barbara van Wolschaten à Anvers. [5] On sait peu de choses sur l'éducation précoce de Jordaens. On peut supposer qu'il a bénéficié des avantages de l'éducation habituellement dispensée aux enfants de sa classe sociale. Cette hypothèse est étayée par son écriture claire, sa maîtrise du français et sa connaissance de la mythologie. La familiarité de Jordaens avec les sujets bibliques est évidente dans ses nombreuses peintures religieuses, et son intérêt personnel pour la Bible a été renforcé par sa conversion ultérieure du catholicisme au protestantisme. [6]

Comme Rubens, il a étudié auprès d'Adam van Noort, qui était son seul professeur. Pendant ce temps, Jordaens a vécu dans la maison de Van Noort dans la Everdijstraat et est devenu très proche du reste de la famille. [7] Après huit ans de formation avec Van Noort, il s'inscrit à la Guilde de Saint-Luc en tant que "enfant d'eau", ou aquarelliste. [6] Ce médium était souvent utilisé pour préparer des cartons de tapisserie au XVIIe siècle. [8] bien qu'il n'existe plus d'exemples de ses premières aquarelles. La même année que son entrée dans la guilde, 1616 , il épousa la fille aînée de son institutrice, Anna Catharina van Noort, avec qui il eut trois enfants. En 1618, Jordaens acheta une maison dans la Hoogstraat (le quartier d'Anvers où il grandit). agrandir sa maison et son espace de travail en 1639, imitant la maison de Rubens construite deux décennies plus tôt. Il y vécut et y travailla jusqu'à sa mort en 1678. [9]

Jordaens n'a jamais fait le voyage traditionnel en Italie pour étudier l'art classique et de la Renaissance. Malgré cela, il a fait de nombreux efforts pour étudier des estampes ou des œuvres de maîtres italiens disponibles en Europe du Nord. Par exemple, Jordaens est connu pour avoir étudié le Titien, Véronèse, le Caravage et Bassano, soit à travers des estampes, des copies ou des originaux (comme le Caravage Madone du Rosaire). Son travail, cependant, trahit les traditions locales, en particulier les traditions de genre de Pieter Bruegel l'Ancien, en dépeignant honnêtement la vie flamande avec authenticité et en montrant des gens du commun en train d'exprimer des célébrations de la vie. [10] Ses commissions venaient fréquemment de riches mécènes et membres du clergé flamands locaux, bien que plus tard dans sa carrière il ait travaillé pour des tribunaux et des gouvernements à travers l'Europe. Outre une grande production de peintures à l'huile monumentales, il était un dessinateur de tapisserie prolifique, une carrière qui reflète sa première formation en tant que peintre "aquarelliste". [5]

L'importance de Jordaens peut également être vue par son nombre d'élèves. La Guilde de Saint-Luc enregistre quinze élèves officiels de 1621 à 1667, mais six autres ont été enregistrés comme élèves dans les documents judiciaires et non dans les registres de la Guilde, il est donc probable qu'il avait plus d'étudiants que ce qui est officiellement enregistré. Parmi eux se trouvaient son cousin et son fils Jacob. Comme Rubens et d'autres artistes de l'époque, l'atelier de Jordaens s'appuyait sur ses assistants et ses élèves pour la réalisation de ses peintures. Peu de ces élèves sont devenus célèbres eux-mêmes, [11] cependant une position dans l'atelier de Jordaens était hautement souhaitable pour les jeunes artistes de toute l'Europe. [12]

Influence de Rubens Modifier

Jordaens a été grandement influencé par Peter Paul Rubens qui l'a occasionnellement employé pour reproduire de petits croquis dans un format plus grand. Après la mort de Rubens, Jordaens est devenu l'un des peintres les plus admirés d'Anvers. [13] Comme Rubens, Jordaens s'est appuyé sur une palette chaleureuse, le naturalisme et une maîtrise du clair-obscur et du ténébrisme. Jordaens n'a connu qu'un succès modéré en tant que portraitiste, mais excellait dans les représentations du caractère vil de l'humanité.Ses thèmes paysans d'inspiration classique et ses scènes de genre moralisatrices à grande échelle ont influencé Jan Steen. Bien que Jacob Jordaens ne se spécialise pas, il répète souvent un thème basé sur un proverbe qui dépeint un large éventail de personnages d'âges variés, entassés dans une scène festive autour d'une table de banquet. Ces pièces humoristiques ont un sens de la grossièreté. [5] Alors que Jordaens s'est inspiré des motifs de Rubens tout au long de sa carrière, son travail se différencie par une tendance au plus grand réalisme, un encombrement de la surface de ses compositions et une préférence pour le burlesque, même dans le contexte de sujets religieux et mythologiques . [13] Prométhée, ch. 1640 est un exemple de l'influence de Rubens et Frans Snyders sur Jacob Jordaens. Alors qu'il s'est inspiré de leur collaboration Prométhée lié, ch. 1611-1612, la version de Jordaens est un récit plus optimiste.

Sujets Modifier

En plus d'être un portraitiste bien connu, Jordaens a également utilisé son crayon sur des sujets bibliques, mythologiques et allégoriques et a même gravé un certain nombre de plaques. Bien qu'avant tout peintre d'histoire, il a également peint des illustrations de proverbes flamands, tels que « Old Sing so the Young Twitter », et des représentations de festivals flamands, par exemple « The King Drinks ». [5] Plusieurs de ses œuvres évoquent une passion pour la peinture animalière. Il comprenait souvent une variété d'animaux, très probablement tirés de la vie, notamment des vaches, des chevaux, de la volaille, des chats, des chiens et des moutons. Ses dessins vivants d'animaux et de personnes ont été utilisés et référencés tout au long de sa vie. [14] Après la mort de Rubens en 1640, Jordaens est devenu le nouvel artiste principal d'Anvers. [15] Ce n'est qu'après avoir atteint ce statut que Jordaens a reçu des commissions royales, principalement du nord. [5] Il a également reçu une commission des héritiers de Ruben pour finir un Hercule et une Andromède pour Philippe IV d'Espagne.

En 1635-1640, lorsque Rubens était malade de la goutte, Jordaens a été chargé d'utiliser les croquis de Rubens et de travailler sur les décorations pour l'entrée triomphale du cardinal-infant Ferdinand, le nouveau gouverneur des Pays-Bas espagnols, pour son arrivée à Anvers en 1635. Bien que les travaux soient perdus, Jordaens a été commandé en 1639-1640 par Charles Ier d'Angleterre pour terminer la décoration de la Maison de la Reine à Greenwich, une commande qui a été confiée à Rubens, qui n'a pas pu exécuter en raison de sa mauvaise santé. [5]

Jordaens a également participé à un effort de collaboration pour décorer la Torre de la Parada, réalisé entre 1636 et 1681. [16] Deux œuvres de la série attribuée à Jordaens sont Apollon et Pan (1637), réalisé d'après un croquis de Rubens, et Vertummus et Pomona (1638). [16] Les autres contributions débattues comprennent Chute des Titans, Mariage de Pélée et Thétis, et Cadmus semant les dents du dragon. [16] En 1661, on lui a demandé de peindre trois lunettes assez grandes pour le nouvel hôtel de ville d'Amsterdam. [5]

À la fin de la carrière de Jordaens entre 1652 et 1678, sa capacité créative et artistique s'était détériorée. Il est passé de couleurs vives à une palette de gris-bleu, parfois accentuée d'un brun terne, et a appliqué de la peinture si finement que la toile pouvait être vue. Cependant, il y avait peu d'exceptions à cela (comme les peintures religieuses susmentionnées qu'il a produites après s'être converti au protestantisme), la plus notable étant la Histoire de Psyché qu'il a fait pour sa propre maison. [5]

Religion Modifier

La religion protestante était interdite à Anvers, qui à l'époque était encore un territoire occupé par les Espagnols. Vers la fin de sa vie, Jordaens s'est converti au protestantisme réformé, mais a continué à accepter des commandes pour décorer les églises catholiques. [5] [17] Jordaens a été condamné à une amende de 200 livres et 15 shillings pour des écrits scandaleux ou hérétiques entre 1651 et 1658.

Mort et enterrement Modifier

Jordaens mourut de la mystérieuse maladie d'Anvers (« zweetziekte » ou « polderkoorts » en néerlandais) en octobre 1678, qui, le même jour, tua également sa fille célibataire Elizabeth, qui avait vécu avec lui. Leurs corps ont été enterrés ensemble sous une même pierre tombale dans le cimetière protestant de Putte, un village juste au nord de la frontière belge, où sa femme Catharina avait été enterrée plus tôt. [ citation requise ] Un monument a été érigé à Putte en 1877, dédié et contenant les pierres tombales de Jordaens et de deux de ses collègues peintres, Simon de Pape (I) et Adriaan van Stalbemt. Il se dresse à l'emplacement de la petite église protestante et du cimetière, tous deux démolis des années plus tôt. Le buste au sommet du monument a été réalisé par Jef Lambeaux.

Un an après sa mort, le fils de Jacob Jordaens a fait don de « vingt-cinq livres flamandes au Camer van den Huysarmen à Anvers ». [5] Ce don comprenait également Le lavage et l'onction du corps du Christ qui a été donné à un orphelinat de filles. Apparemment, tout cela a été fait dans la correspondance suivante avec un testament que Jacob Jordaens a laissé derrière lui, un document encore introuvable. [5] Même sans la découverte du testament de Jordaen, sa gentillesse a été reconnue par ceux qui le connaissaient. Il existe de nombreux autres documents trouvés qui témoignent de son admiration par d'autres.

L'adoration des bergers Éditer

L'adoration des bergers (1616, 1618) représente la Vierge Marie se préparant à allaiter l'Enfant Jésus alors qu'il est adoré par des bergers flamands. La scène est limitée à cinq personnages qui, à l'exception du Christ, sont représentés en demi-longueur soulignant l'intimité de la scène.

Avant 1616, Jordaens s'était intéressé à la palette lumineuse et claire du maniérisme. Cependant, dans cette image, il expérimente l'utilisation de la lumière, plutôt que de la couleur, comme principal moyen de modeler des figures dans l'espace. C'est la preuve de son intérêt pour le Caravage. La principale source de lumière dans L'adoration des bergers est une bougie tenue par saint Joseph. Cela reflète l'influence d'Adam Elsheimer, qui est connu pour placer une source de lumière au centre de ses compositions. [5] Peut-être qu'une autre influence du Caravage peut être citée dans l'utilisation du réalisme par Jordaens. "La Vierge et l'Enfant sont rendus dans une simplicité rustique, et ne sont même pas légèrement idéalisés." [5]

Jordaens a peint au moins six autres interprétations du Adoration des bergers. Il regroupait généralement étroitement ces personnages à mi-corps et recadrait la scène afin que le spectateur concentre son attention uniquement sur les personnages. Cette approche compositionnelle a cherché à intensifier le récit et à accentuer l'expression des personnages.

La fuite de Lot et sa famille de Sodome Éditer

Inspiré par Ruebens, Jordaens a peint son duplicata iconoclaste à l'huile sur une toile de 1 700 mm × 2 000 mm (66 x 78 pouces) en 1620. Actuellement hébergé au Musée national d'art occidental de Tokyo, la peinture flamande représente l'histoire trouvée dans le livre de la Genèse. [18]

Le Satyre et le Paysan Éditer

Cette scène particulière, dont Jordaens a peint de nombreuses versions, illustre une fable moralisatrice de fables d'Esope. L'histoire commence avec un homme et un satyre. Un jour froid, alors qu'ils parlaient, l'homme a mis ses doigts à sa bouche et a soufflé dessus. Lorsque le satyre lui a demandé pourquoi, l'homme a dit qu'il l'avait fait pour se réchauffer les mains. Plus tard, quand ils se sont assis pour manger, l'homme a levé son plat de nourriture chaude vers sa bouche et a soufflé dessus. Lorsque le satyre a de nouveau demandé la raison, il a dit qu'il l'avait fait pour refroidir la nourriture. Le satyre informe alors l'homme : « Je ne peux plus te considérer comme un ami, un garçon qui souffle le chaud et le froid avec le même souffle. [19] La morale de cette histoire est la dualité de la nature humaine, bien que certains croient que Jordaens a choisi cette histoire non pas pour son intérêt pour sa leçon morale, mais pour son intérêt à rendre une scène paysanne. [20]

Le moment particulier que Jordaens dépeint dans sa peinture est celui où le satyre déclare qu'il ne peut pas faire confiance à l'homme. L'homme mange tandis que le satyre se lève brusquement avec la main levée avant de quitter la maison de l'homme. [21] Jordaens choisit de placer la scène à l'intérieur d'une ferme, avec un taureau, un chien, un chat et un coq intégrés autour des meubles et des personnages. Divers groupes d'âge sont représentés autour de la table, un jeune garçon se tient derrière la chaise de l'homme, une vieille femme tient un jeune enfant, tandis qu'une jeune femme regarde par-dessus l'épaule du satyre.

La caractéristique du style artistique de Jordaens est la manière dont toutes les figures sont poussées vers l'avant de la composition, entassées dans ce petit espace. Jordaens utilise le ténébrisme et le clair-obscur pour créer un éclairage dramatique, qui illumine certaines figures de la scène, comme le bébé sur les genoux de la vieille femme. Jordaens crée un sentiment de naturalisme avec la représentation des pieds sales du paysan assis au premier plan, le reliant aux tendances caravagesques de l'art flamand de l'époque. Jordaens a créé deux versions de ce sujet vers 1620-1621. [21] Pour cette version, il semble qu'il ait utilisé la même gardienne pour Le Satyre et le Paysan comme il l'a fait pour L'adoration des bergers, et on pense que Jordaens a utilisé cette peinture comme instruction pour ses assistants et ses élèves, car de nombreuses versions et copies de la scène ont été trouvées qui portent le même style, mais sans le cachet du maître. [22]

Candaules, Nyssia et Gygès Modifier

Cette image illustre la version d'Hérodote du conte de Gygès. La morale de cette histoire est le devoir d'un mari de protéger sa femme. Lorsqu'il violera ce devoir, la tragédie entraînera dans ce cas la mort de Candaules. Jordaens a choisi cette histoire pour son intérêt pour sa leçon de morale.

Le moment particulier que Jordaens dépeint dans sa peinture est celui où Nyssia, ayant fini de se déshabiller, se met au lit, et n'a pas encore détecté sa violation. Les deux hommes sont montrés en train de regarder depuis leur cachette, un changement par rapport à l'histoire originale racontée par Hérodote.

Jordaens a placé la scène à l'intérieur de la chambre, avec un chien et des articles de toilette, intégrés autour des meubles et des personnages.

La caractéristique du style artistique de Jordaens est l'utilisation du ténébrisme et du clair-obscur pour créer un éclairage dramatique, qui illumine Nyssia dans la scène, mettant en valeur ses épaules et ses fesses. Jordaens crée un sentiment de naturalisme avec la représentation du chien assis au premier plan à gauche sur le tabouret.

Autoportrait avec sa femme et sa fille Elizabeth Éditer

Ici, nous voyons Jordaens avec sa femme Catherine van Noort, son aînée Elizabeth et une servante. La peinture a été datée d'environ 1621 à 1622 parce qu'Elizabeth semble avoir environ 4 ans et qu'elle est née en 1617. [23] Tout le monde dans la peinture regarde le spectateur comme pour l'inviter à rejoindre le groupe. Le Jardin d'amour était une tradition ancienne que Jordaens a représentée dans son portrait de famille.

On voit qu'il a aussi mis pas mal de symbolisme dans le tableau pour lui donner un sens. "Les vignes entrelacées derrière le couple symbolisent l'inséparabilité du mari et de la femme." [23] Elizabeth tient dans sa main des fruits qui symbolisent l'amour et les fleurs qu'elle a dans son panier reflètent l'innocence et la pureté. » [23] En haut à gauche se trouve un perroquet perché qui représente la fidélité conjugale. Un autre animal situé dans en bas à droite est un chien représentant la fidélité et la confiance." [23]

C'est l'un des premiers exemples de découvertes de type RA dans l'art néerlandais. Peu de preuves de polyarthrite rhumatoïde comme la maladie ont été notées dans l'art ou les restes squelettiques avant le 17ème siècle en Europe et en Afrique du Nord. Des signes évocateurs de polyarthrite rhumatoïde apparaissent dans l'art hollandais du XVIIe siècle. Détail de La Familia de Jordaens dans un jardin par Jacob Jordaens montrent un gonflement des articulations métacarpo-phalangienne et interphalangienne proximale. [24]

Saint-Pierre à la recherche de l'argent du tribut Éditer

Cette œuvre, très probablement peinte vers 1623 pour le marchand de fer et d'armes d'Amsterdam Louis de Geer I, représente l'histoire de Matthieu 17 : 24-27, dans laquelle Jésus dit à Pierre d'attraper un poisson et à l'intérieur il trouvera de l'argent pour rendre hommage à Capharnaüm. La composition est encombrée, le centre de l'action se déroulant à l'intérieur du bateau. Pierre et les autres apôtres sont vus sur le côté droit de la peinture, regardant vers le bas pendant que Pierre tire un poisson de l'eau. Ces chiffres ne reconnaissent pas le spectateur. Cependant, d'autres personnages regardent le spectateur hors du tableau : la femme avec son enfant et l'homme utilisant une rame pour lancer le bateau. Cependant, la plupart des personnages sont consumés chacun dans leur propre tâche, qu'il s'agisse de trouver le poisson, de travailler pour hisser et faire naviguer le bateau, ou de s'asseoir en tant que passagers en attendant la destination. La variété de l'expression humaine découle des études de têtes de Jordaens, dont beaucoup sont reconnaissables dans ses autres œuvres. [25] Le récent traitement de restauration du tableau a été accompagné d'un grand livre entièrement illustré qui va très profondément sous la surface de l'image et expose les différentes approches et résultats des recherches les plus récentes, donnant une image complète de Jordaens, ses œuvres et son temps. [26]

Le martyre de sainte Apollonie Éditer

L'église Saint-Augustin, située à Anvers, avait trois autels. Chaque autel contenait un grand tableau de Rubens, van Dyck ou Jordaens. Les trois tableaux ont été créés en 1628. [27] Rubens Vierge à l'enfant adorée des saints suspendu au-dessus du maître-autel ou du maître-autel au centre. L'autel de gauche contenait l'œuvre de van Dyck Saint Augustin en extase, et enfin de Jordaens Le martyre de sainte Apollonie suspendu au-dessus de l'autel situé à droite. [27] L'interprétation de Jordaens du martyre de sainte Apollonie, qui a sauté dans un incendie plutôt que de dénoncer sa foi au 3ème siècle, est bondée et dramatique. Rubens, van Dyck et Jordaens étaient les plus grands peintres baroques d'Anvers et la seule fois où ces trois peintres ont collaboré simultanément était lors de la commande de l'église de Saint-Augustin. Ensemble, ils ont lié les thèmes de chaque tableau les uns aux autres. [27] La ​​pièce de Rubens était de la Vierge entourée de saints, van Dyck et Jordaens peignaient chacun des saints qui encadrent la Vierge. Les images saintes invitaient le spectateur à se rapprocher du ciel et de Dieu à travers le martyre ou le monachisme. [27]

L'enfant Jupiter nourri par la chèvre Amalthée Éditer

Au pied d'une pente douce, L'enfant Jupiter nourri par la chèvre Amalthée (1630-1635) se déroule dans un paysage. L'accent de la composition est sur la nymphe Andrastéa, dont la nudité pâle est contrastée par les teintes plus sombres des autres figures. Elle est assise sur le sol avec ses jambes repliées en partie sous elle et un tissu drapé autour de ses hanches. Elle a une main sur le dos de la chèvre Amalethea et l'autre tire sur le pis de la chèvre, faisant gicler du lait dans un plat. L'enfant Jupiter est assis derrière elle, tenant une bouteille vide et pleurant pour de la nourriture. Pour tenter de distraire Jupiter, un satyre tire une branche. Une gravure d'après la toile de Schelte a Bolswert clarifie la signification morale du sujet : selon l'inscription latine sur l'estampe, le lait de chèvre que Jupiter a été nourri alors qu'un enfant était responsable de l'infidélité notoire du dieu. [28]

Le roi boit Éditer

Jordaens a peint plusieurs versions de ce sujet, dont une c. 1640 oeuvre au Musée Royal d'Art, Bruxelles. L'Epiphanie est célébrée en Flandre le 6 janvier. C'est une célébration de la nourriture, du vin et de la gaieté qui se partage en famille. Une personne devient roi pour la soirée, ce que Jordaens dépeint pensivement comme la personne la plus âgée de la pièce. Le reste de ses sujets sont assignés par lui. [29] Jordaens a également réalisé une autre version de la peinture car il existe de nombreuses peintures sur ce sujet particulier. Dans une version, plus de 17 personnes sont représentées dans la peinture et elles sont toutes étroitement emballées les unes contre les autres. Dans l'autre version, ils sont plus proches du plan de l'image et plus espacés. La peinture montre que les émotions sont vives, avec des expressions extrêmement bruyantes des gens. [29] Il semble y avoir une bagarre qui est sur le point d'éclater et l'expression de l'homme qui vomit semble trop pitoyable. Jordaens utilise cette peinture pour exprimer son dégoût pour l'ivresse avec la devise inscrite en haut qui se traduit par "Rien ne ressemble plus à un fou qu'à un ivrogne". [30]

Comme le vieux chante, donc le jeune tuyau Éditer

Comme le vieux chantait, ainsi le jeune tuyau (c.1638-1640) est considéré comme un compagnon de Le roi boit (Louvre, Paris). Les deux peintures sont de nature moralisatrice, ont des mesures presque identiques et des styles connexes. [31] Comme le vieux chantait, ainsi le jeune tuyau montre trois générations de riches bourgeois anversois assis autour d'une table en train de faire de la musique. Étant un thème populaire parmi Jordaens et ses clients, plusieurs versions de cette peinture ont été créées. Dans la version illustrée, le beau-père de Jordaens, Adam van Noort, est représenté comme le vieil homme. Dans ce genre de peinture populaire, des personnages âgés et d'âge moyen sont toujours représentés en train de chanter et de créer de la musique, tandis que les enfants « pipent » le long. [31] Le titre est basé sur un proverbe populaire du livre Spiegel van den Ouden et Nieuwen Tijdt, un livre d'emblème de Jacob Cats publié en 1632. Le proverbe néerlandais est Zo de ouden zongen, zo piepen de jongen, se référant à l'habitude des oiseaux de faire écho à la tuyau, ou le gazouillis voyeur de leurs parents. Cats, un calviniste, a traduit le proverbe en un message moralisateur que les parents doivent être attentifs à leurs actes et à leurs paroles, car les enfants copieront leurs aînés. [31] Le mot néerlandais pour peep est tout comme en anglais, très proche du mot pipe, et dans cette version, la cornemuse et la flûte sont utilisées, mais dans certaines versions, les enfants sont représentés en train de fumer une pipe, ce qui, même dans ces jours étaient considérés comme malsains pour les enfants. Jan Steen a également utilisé une cornemuse et une flûte dans ses peintures sur le même sujet d'environ 1668 et 1670, représentant même le poème de Cats dans la première des deux scènes. Dans ses peintures cependant, Jordaens véhicule ce message moralisateur ainsi que l'idée que les jeunes générations succèdent aux aînés. La chouette, considérée comme l'oiseau de la nuit, perchée sur la chaise en osier de la femme plus âgée, sert de souvenir mori, un rappel de la mortalité. [31]

Prométhée Éditer

Le tableau de Jordaens de 1640 Prométhée (représentation du conte mythologique du titan Prométhée qui se faisait picorer le foie par un aigle chaque jour pour se régénérer et recommencer le cycle le lendemain. [32] Prométhée fut puni pour son audace par Zeus pour avoir donné le feu à l'homme , non seulement dans sa forme physique, mais aussi dans le feu de la raison, qui peut être lié à la créativité de l'homme dans les arts et les sciences [32] La représentation de Jordaens est très proche de celle de Rubens. Prométhée. Le positionnement de l'aigle par Jordaens, et à l'envers, Prométhée aux yeux injectés de sang, héroïquement nu, ainsi que l'utilisation de la punition et de la douleur de l'homme avec des mouvements de torsion et de contorsion spastiques, sont également des thèmes communs dans la version de Rubens. [33]

La différence réside dans la représentation d'Hermès, ce qui peut être soutenu représente une note d'optimisme d'être sauvé car dans d'autres versions de la mythologie, Hermès aide à obtenir la libération de Prométhée.[34] Pourtant, dans le Prométhée lié attribué à Eschyle, Hermès traite mal Prométhée, ce qui irait à l'encontre d'une interprétation optimiste. La représentation des sacs d'os (utilisés dans une autre partie du mythe pour tromper Zeus) et une statue d'argile (qui représente sa création de l'homme) ne font pas non plus partie de la peinture de Rubens. [34] Une autre différence notable est l'apparence de pure agonie dans Prométhée de Jordaens, tandis que la figure de Rubens s'appuie sur la suggestion de la figure tordue pour transmettre le même sentiment. Le Prométhée de Jordaens est une étude du visage, un sujet répandu dans les peintures de Jordaens et d'autres artistes à la même époque.

Mercure et Argus Éditer

Mercure et Argus, peint vers 1620, représente une scène de l'histoire de Mercure, Argus et Io, trouvée dans Les Métamorphoses écrit par Ovide (I, 583 IX, 687).

Jupiter (Zeus) tombe amoureux de Io, une prêtresse d'Héra, sa femme, qui découvre rapidement la liaison. Jupiter se transforme en taureau et transforme Io en une belle génisse blanche afin de se cacher de la colère d'Héra. Héra comprend sa stratégie et exige la génisse en cadeau. Pour mettre fin à leur liaison, Hera met Io sous la garde du géant Argus Panoptes, qui a 100 yeux. Jupiter ordonne à son fils Mercure (Hermès) de libérer Io en endormissant Argus avec une flûte enchantée. Mercure, déguisé en berger, est invité par Argus dans son camp. Mercure le charme avec des berceuses puis lui coupe la tête. [35] Le tableau est exposé au Musée des Beaux-Arts de Lyon.

Vision nocturne Éditer

Jordaens Vision nocturne représente une scène sombre et lugubre d'un jeune homme tourmenté dans son sommeil par l'apparition d'un nu féminin. Sur le côté gauche de la composition, une femme âgée et une femme plus jeune ouvrent la porte, regardent à l'intérieur et illuminent la pièce d'une douce lumière de bougie. Ils semblent s'étonner à la vue de l'apparition. Jordaens souligne la temporalité de cette scène en permettant à certains éléments de se détacher nettement sur le fond globalement sombre du tableau. Par exemple, le garçon endormi vient de renverser maladroitement un pot de cuivre et un chandelier qui se trouvent maintenant au premier plan du tableau. Une attention particulière est également portée aux tissus dans ce travail. Jordaens crée la sensation de vent à la fois avec le tissu blanc fluide tenu par l'apparition et le vêtement rouge gonflé porté par la vieille femme. Erwin Bielefeld affirme que ce tableau représente très probablement une histoire écrite par Phlégon de Tralles pour l'empereur romain Hadrien, dont Jordaens a peut-être eu accès à une traduction ou aurait pu être adaptée d'une version plus contemporaine [36] L'histoire ancienne raconte l'histoire d'un jeune homme, Marchete, qui séjourne en tant qu'invité d'un couple aisé. Pendant la nuit, le sommeil de Marchete est perturbé lorsqu'il rêve de Philinion, la fille décédée du couple. Saisissant le tissu dans lequel son cadavre était enveloppé, Philinion sous les traits d'un vampire demande à coucher avec Marchete. Réveillée par des bruits provenant de la pièce, la mère de Philinion, Charito, vient enquêter avec l'aide d'une servante. En entrant dans la pièce, ils sont horrifiés par la vue de la fille décédée. [37] Jordaens Vision nocturne semble être une représentation très fidèle de l'histoire de Phlégon et dépeint le moment décisif ou le point culminant du conte antique. Les influences évidentes dans cette image sont communes parmi le travail de Jordaens. Plus particulièrement, Jordaens emprunte à Elsheimer l'utilisation de la lumière des bougies comme principale source de lumière et l'utilisation du ténébrisme pour créer le drame du Caravage. [38]

L'histoire de Cupidon et Psyché Éditer

Au cours des années 1639-1640, Jacob Jordaens reçut la commande de créer une série d'œuvres pour Charles Ier d'Angleterre par l'intermédiaire de Balthazar Gerbier, l'agent du roi à Bruxelles, et de Cesare Alessandro Scaglia, un diplomate résidant à Anvers. Le projet comportait vingt-deux tableaux illustrant L'histoire de Cupidon et Psyché (1640-1641) [39] – van Dyck Cupidon et Psyché peuvent également être liés au projet. Alors que les œuvres devaient être exposées à la Queen's House à Greenwich une fois terminées, le mécène et l'emplacement final étaient inconnus de l'artiste. [40] Tandis que Jordaens soumet son dessein initial à ses intermédiaires entre lui-même et la cour anglaise, Gerbier tente continuellement de convaincre le roi que Rubens serait bien plus adapté à un projet nécessitant de telles quantités substantielles de raccourcis. [41] Ses efforts sont vains, cependant, puisque Rubens meurt le 30 mai 1640. Avec la mort de Rubens, Jordaens était seul responsable de la commission entière. [42] Les efforts pour poursuivre le projet se sont poursuivis lentement, et un an plus tard, en mai 1641, tous les plans de L'histoire de Cupidon et Psyché les séries sont perturbées, avec la mort du diplomate Scaglia. Le projet n'a jamais abouti, seules huit peintures achevées ont été transmises à la Cour d'Angleterre, et un différend qui en a résulté avec les héritiers de Scaglia concernant le paiement de sept de ces œuvres s'est poursuivi dans la génération suivante. [39]

Une autre version du Histoire de Cupidon et Psyché ornaient les plafonds de la maison de Jordaens à Anvers. Au moins neuf décoraient le plafond d'un salon dans l'aile sud de la maison, avec Psyché reçue par les dieux formant la pièce maîtresse. Inclus dans la série étaient Le père de Psyché interroge l'oracle dans le temple d'Apollon, L'amour de Cupidon et Psyché, La curiosité de Psyché, Le vol de Cupidon, Psyché reçue par les dieux et deux morceaux de putti. Les pièces du plafond sont toutes des raccourcis, vus d'en bas, et le système de perspective a été emprunté mot pour mot aux pièces de plafond de Rubens dans l'église des Jésuites à Anvers. Les peintures sont vues à travers un cadre octogonal à « ouverture ». [43] Selon l'inventaire laissé par les petits-enfants de Jordaens, ces tableaux faisaient partie de la vente de la maison en 1708.

Diane et Actéon Éditer

Achevée vers 1640, cette version somptueuse et érotique du tableau mythologique qui est peut-être basée sur la version 1556-1559 mieux connue de Titien, représente Actéon portant une lance phallique comme une menace sexuelle claire pour Diane et sa cour. [ citation requise ] Il fait partie de la collection de la Gemäldegalerie Alte Meister Dresden, mais est devenu le tableau le plus "vu" de l'artiste en raison de son apparition dans plusieurs films dont la parodie de James Bond de 1967, Casino Royale, où il est suspendu au-dessus du lit du maître dans le château écossais de "M" et est étiqueté à tort un Titien, [ citation requise ] et plus récemment dans le film de 2008 sur le complot d'assassinat de von Stauffenberg contre Hitler, Valkyrie, où il apparaît dans la maquette du Grand Hall du Berghof bavarois d'Hitler (résidence), une suggestion d'art pillé et le désir du dictateur pour les vieux maîtres germaniques. [ citation requise ]

La Sainte Famille avec diverses personnes et animaux dans un bateau Éditer

Le style de la peinture du milieu du siècle de Jacob Jordaens peut être clairement vu dans La Sainte Famille avec diverses personnes et animaux dans un bateau (1652). Vers l'âge de soixante ans, les peintures de Jordaens sont devenues davantage l'œuvre de ses assistants suivant la direction de Jordaens, et la production de son travail a commencé à décliner. Il a inclus un grand nombre de personnages dans ses œuvres, ce qui est devenu une lourde tâche pour un 60 ans. La palette utilisée est monotone, avec une variété allant du bleu grisâtre au brun. Parfois, s'éloignant du reste de la peinture et de la composition, les gestes des personnages sont souvent autonomes tandis que les corps eux-mêmes sont de forme angulaire. [44]

Le triomphe de Frederik Hendrik Éditer

La peinture de Jordaens, Le triomphe de Frederik Hendrik, peint en 1651, représente plus de cinquante personnages entourant le stathouder Frederik Hendrik et ses proches. La pièce a été peinte en l'honneur du stathouder Frederik Hendrik, prince d'Orange, et commandée par son épouse, Amalia van Solms. Elle cherchait à commémorer le stathouder après sa mort en 1647. La collection d'œuvres qui était rassemblée, comme c'était la pratique courante à l'époque, était destinée à glorifier le prince et ses vaillants actes. [45] Au lieu de décrire des événements, en utilisant des images et des icônes simples, la collection a été peinte dans des allégories utilisées pour introniser le Stadholder comme héroïque et vertueux. [46] Il a été affiché dans Huis ten Bosch (Maison dans les bois), qui a commencé comme une retraite de banlieue pour Amalia van Solms (aujourd'hui un palais royal). Le tableau est accroché dans l'Oranjezaal, le dernier intérieur intact de Huis ten Bosch, couvrant une grande partie du niveau inférieur de la pièce car il est assez grand et complètement dominant dans la pièce. Jordaens a été choisi car il était très respecté dans le cadre du trio flamand qui comprenait Peter Paul Rubens et Anthony Van Dyck. [45]

Frederik Hendrik monte sur un char triomphal, porté comme un dieu, comme porteur de paix et comme celui qui a manifesté la prospérité illustrée par des branches d'olivier et des cornes d'abondance. Des deux côtés du tableau, des portraits d'hommes transportant des produits des Indes occidentales et orientales. Cela fait apparaître le prince comme s'il est seul responsable des victoires militaires ainsi que de l'immense richesse de la République. [46] Le travail a été fait avec une complexité intense. Même aujourd'hui, les érudits discutent des nombreuses références que Jordaens inclut dans la peinture. Beaucoup ont du mal à tous les décoder. Dans l'ensemble, il semble facile de rassembler le message principal de Jordaens inclus dans la peinture, cependant, il est rempli de tant de personnes et de figures symboliques que des explications supplémentaires de la part de l'artiste étaient nécessaires à ses contemporains pour comprendre l'ensemble de la peinture. [47]

L'œil du maître fait grossir le cheval Éditer

Jacob Jordaens avait souvent utilisé des proverbes dans ses peintures, utilisant les personnages du portrait pour jouer le sens du proverbe (généralement une sorte d'avertissement). Cette technique permettait de comparer facilement Jordaens à Pieter Bruegel, qui utilisait souvent des proverbes. Il l'a vu comme un bon moyen d'exposer la nature folle et errante de l'homme. Habituellement à la recherche d'un proverbe avec un message positif et optimiste, Jordaens utilisait ses personnages pour expliquer la prudence du proverbe, explicitement ou en impliquant le message. Dans L'œil du maître fait grossir le cheval, un cheval est centré au milieu d'une prospérité florissante engendrée par une bonne gestion. Jordaens comprend le dieu Mercure, qui prend place dans l'astrologie équine avec une influence planétaire salutaire sur les chevaux. [48]

En Espagne, il existe un ensemble intéressant de ses œuvres. Le musée du Prado conserve onze œuvres de son pinceau, dont le mentionné Autoportrait avec sa femme et sa fille Elizabeth, dont huit autres sont mythologiques (dont certains de la Torre de la Parada Commission) l'un des Trois musiciens ambulants et un Pietà, en plus d'un dessin et d'une gouache. [49] Le musée Thyssen-Bornemisza possède un Sainte Famille avec un ange [50] dans lequel la participation de son atelier est également notable. L'Académie Royale des Beaux-Arts de San Fernando a un Diane et Callisto [51] et au Musée Lázaro Galdiano une toile avec Deux chérubins embrassés lui est attribué. [52] Le Musée des Beaux-Arts de Bilbao conserve un fragment de L'enfance de Jupiter titré: Satyre jouant de la pipe [53] et un Tête de paysan. [54]

Autres œuvres Modifier

Portrait d'un jeune couple marié, vers 1621-1622, Museum of Fine Arts, Boston [55]


Paysans Au Moyen Age

Les paysans du moyen-âge étaient principalement des agriculteurs qui travaillaient sur des terres appartenant à un seigneur. Le seigneur louait ses terres aux paysans en échange d'un travail économique. Les paysans étaient attachés à la terre et n'étaient pas autorisés à s'éloigner de la terre ou à changer de profession à moins qu'ils ne deviennent des hommes libres. Pour devenir un homme libre, un paysan devait acheter une parcelle de terre ou payer une redevance au seigneur.

En plus de la main-d'œuvre qu'ils fournissaient aux seigneurs, les paysans du moyen-âge versaient également une partie de leurs produits agricoles à leurs maîtres en guise de paiement. Environ neuf personnes sur dix au moyen-âge étaient des paysans et seuls quelques-uns d'entre eux n'étaient pas liés à la terre. Néanmoins, les hommes libres payaient également une forme de loyer pour vivre et travailler dans le manoir du seigneur. La grande majorité des paysans étaient des vilains et des serfs en théorie, les vilains avaient plus de droits que les serfs et moins d'obligations envers les seigneurs. Cependant, en réalité, il n'y avait presque aucune différence entre eux.

Au sein de la structure féodale, les paysans seraient généralement regroupés en agriculteurs et artisans. Les agriculteurs passent leur temps à travailler dans les champs. Après avoir payé leur dû au seigneur, ils gardaient le reste des produits pour être utilisés par la famille ou pour vendre. Les artisans paysans étaient formés à leur métier par leurs parents qui pratiquaient également le même métier. Alternativement, ils apprendraient les compétences d'autres artisans en tant qu'apprentis.

Les biens qu'ils produisaient étaient principalement destinés à la vente dont ils utilisaient le produit pour couvrir les coûts tels que les taxes imposées par les seigneurs qui possédaient la terre sur laquelle les artisans vivaient avec leurs familles. Ils ont également utilisé ces recettes pour acheter de la nourriture aux paysans. En plus de développer des produits tels que la poterie, le cuir et la ferronnerie, ils ont également aidé aux travaux de réparation autour des villages et dans les villes.

Les paysans possédaient très peu de biens. Ceux-ci comprenaient des meubles domestiques tels que des bols en bois, des cuillères, des casseroles, des tasses, des tabourets, des bancs et leurs outils de commerce. Il n'était pas courant de posséder un lit et la plupart du temps les paysans dormaient à même le sol sur des matelas de paille.

Ils avaient également peu de vêtements et dormaient généralement dans leurs vêtements de travail et se couvraient de peaux d'animaux. La maîtresse de maison aidait aux travaux manuels ou s'occupait des enfants et du petit jardin derrière leur maison. Bien que la plupart des paysans vivaient dans le village, certains vivaient dans les villes et se rendaient quotidiennement dans les fermes qu'ils avaient louées.

Les paysans du moyen-âge vivaient dans de petites maisons sombres, proches les unes des autres à l'intérieur des murs du village. Les fenêtres de la maison ont été construites dans un souci de sécurité, elles étaient petites avec des éclats en bois.

Ils vivaient à proximité les uns des autres pour la sécurité étant donné les nombreuses guerres et conflits barbares qui ont caractérisé le Moyen Âge. Lorsqu'ils ne travaillaient pas, ils passaient du temps dans leurs petits quartiers. Ils s'aventuraient rarement dans d'autres villages et la plupart des paysans naissaient, se mariaient et mourraient dans le même village.

Les hommes paysans portaient généralement des tuniques et des bas tandis que les femmes enfilaient de longues robes avec tunique et se couvraient les cheveux. Les femmes étaient généralement chargées de raccommoder les vêtements de toute la famille et elles passaient des heures interminables à produire des fibres pour raccommoder ces vêtements. Les paysans n'étaient pas habitués à nettoyer leurs vêtements extérieurs mais nettoyaient régulièrement les vêtements intérieurs.

Bien que les paysans travaillaient dur dans les fermes ou avec leur artisanat, ils profitaient de plusieurs vacances. Au total, les paysans ont travaillé pendant 260 jours, et les autres jours ont été consacrés à des festivités religieuses et non religieuses. Ils ont organisé des festivals pendant les périodes de plantation et de récolte et ont offert des sacrifices brûlés pendant les famines fréquentes qui détruiraient leur récolte.

La religion a joué un rôle important dans la vie du paysan. Avant le 10ème siècle qui a vu l'aube de gouvernements et de rois tyranniques, l'Église était la source prédominante d'autorité. L'Église a établi des lois strictes et les paysans ont tenu à faire respecter ces lois. Cependant, à mesure que le rôle de l'église grandissait et devenait parfois autoritaire, les paysans commencèrent à en vouloir au clergé.

Ils se tourneraient en effet vers l'église pour leur fournir du réconfort et aussi des nécessités de base telles que la nourriture et le logement, en particulier pour les paysans les plus pauvres. Ils considéraient également l'église comme une source de connaissances et envoyaient souvent leurs enfants à l'école de l'église pour étudier la religion ou le latin. La plupart des paysans observaient religieusement des occasions telles que la messe, la sainte communion et les baptêmes.

Révolte des paysans

La révolte des paysans a servi à émanciper le paysan des difficultés auxquelles il faisait face en travaillant dans le manoir du seigneur. Suite à ce fléau, il y avait très peu de paysans pour travailler sur les manoirs du seigneur et les seigneurs voulaient désespérément garder ceux qu'ils avaient à leur service.

Les paysans du moyen âge y virent une opportunité de demander de meilleures conditions de travail et de meilleurs salaires. Les paysans ont commencé à se déplacer d'un manoir à l'autre à la recherche d'un seigneur prêt à payer des salaires plus élevés. Ce mouvement menaçait la fondation du système féodal, qui exigeait que les fermiers soient liés à la terre qu'ils travaillaient. Il est intéressant de noter que ce sont les seigneurs qui encouragent les agriculteurs à se déplacer d'une terre à l'autre car chacun promet de payer des salaires plus élevés que le prochain seigneur.

Le gouvernement anglais est intervenu pour arrêter ce mouvement et maintenir le système féodal en imposant le statut des ouvriers de 1351. Cette législation interdisait aux seigneurs de payer aux paysans plus que le salaire normal et interdisait aux paysans de quitter leurs villages. Le gouvernement anglais a également imposé la Poll Tax pour la troisième fois, obligeant les seigneurs à augmenter les impôts payés par les paysans. La loi antérieure et cette taxe de vote ont aggravé les paysans qui, sous la direction de Jack Straw, Wat Tyler et John Ball, ont déclenché une révolte en 1381.

Les paysans qui se sont rassemblés à Londres ont exigé que le roi Richard I abolisse le servage, les lois interdisant la chasse au gibier et l'utilisation de la forêt, ainsi que les dîmes. Finalement, seule la capitation fut abolie et les chefs paysans furent exécutés de façon barbare.


Quartiers clés de Budapest

Colline du Château (District I)

Buda est la moitié autrichienne de la ville et c'est une partie calme, résidentielle et vallonnée de la ville qui est une banlieue banale, à l'exception de Castle Hill qui respire la nostalgie austro-hongroise et les attractions incontournables. Il y a une série de musées logés dans l'ancien palais des Habsbourg, l'église néo-gothique Matthias et une grande terrasse panoramique au bastion des pêcheurs.

Belváros/Lipótváros (District V)

Le centre touristique de Pest est réparti entre les ponts Margaret et Freedom. Sur la place Kossuth, vous trouverez les majestueuses Chambres du Parlement et en dessous de la place, un musée souterrain de la révolution de 1956. Plus au sud s'élève la basilique à l'italienne St Stephen&rsquos, le pont de fer emblématique, ainsi que le quartier des restaurants et des boutiques autour de la place Vörösmarty.

Brian Kinney/Shutterstock

Erszébetváros (District VII)

Le quartier juif historique, avec plusieurs synagogues encore debout, est le lieu où se concentre une grande partie de la vie nocturne. Les pubs du quartier ont contribué à rafraîchir le quartier, mais ils ont également été un catalyseur de la gentrification et de la hausse des prix.

Terézváros (District VI)

Terézváros a l'impression d'appartenir à une ville différente, en raison de la masse de construction avant les célébrations du millénaire de Budapest&rsquos 1896. L'avenue Andrássy, le plus beau boulevard de la capitale, mène à l'immense étendue de la place des Héros et au parc municipal de Városliget.Sous l'avenue Andrássy se trouve la ligne de métro 1 et la plus ancienne du continent et un site de l'UNESCO avec des arrêts à l'Opéra et à la Maison de la Terreur, un musée qui donne à réfléchir sur le terrain du siège de la police secrète communiste.

Ujpest (District IX)

La partie sud de Buda, face au pont Elisabeth, est jalonnée par la colline de Gellért, au pied de laquelle se trouve l'hôtel éponyme dont l'opulence est légendaire. Son sommet est couronné par la Citadelle, un fort construit par les Habsbourg pour garder un œil sur Pest révolutionnaire, et la grande statue de la Victoire et l'un des rares monuments de l'ère soviétique encore debout. Les habitants l'appellent irrévérencieusement "l'ouvre-bouteille" et si vous regardez d'en bas, vous voyez pourquoi.


Art libre à Cincinnati

Le musée d'art de Cincinnati, une superbe collection de peintures, de sculptures, de verre et plus encore, offre une entrée totalement gratuite. Ce n'est pas souvent que vous tombez sur un trésor comme celui-ci qui vous appartient. Le musée se trouve sur une colline majestueuse qui est agréable à conduire et offre de belles séances de photos.

Pinocchio vous accueille lorsque vous entrez dans le musée, et une pièce de verre Dale Chihuly bleu foncé est suspendue à l'intérieur de la porte. Certaines de mes pièces préférées incluent les robes de verre de LaMonte, la poterie de Rookwood, la statue de bronze puritaine de Saint-Gaudens et Judith avec la tête d'Holopherne de Botticelli, vers 1469.

Explorez le centre-ville de Cincinnati à pied et admirez les incroyables bâtiments et peintures murales du quartier Over the Rhine. La fontaine Tyler Davidson (Génie de l'eau) est un point central du centre-ville depuis près de 150 ans maintenant. Il est considéré comme le symbole de Cincinnati. Les gens viennent ici tous les soirs pour déguster de bonnes bières, des anecdotes et bien plus encore.

Admirez les ponts impressionnants de Cincinnati, à savoir le pont Covington et Cincinnati conçu par John Roebling. C'était le prototype de l'Empire State Building.


Réalités et délais alternatifs

Picard de six heures dans le futur

  • En 2365, le Entreprise-D a été entraîné dans un vortex d'énergie et n'a pas pu retourner dans l'espace normal. Afin de ne pas être tiré encore plus loin, La Forge a dû maintenir le navire en distorsion maximale, mais un tel drainage de puissance menaçait de détruire le Entreprise. Pensant que le vortex le reconnaissait comme le "cerveau" du navire et le voulait, et non le Entreprise, Picard monta dans la navetteEl Baz et a quitté le navire. Les Entreprise était encore détruit, et le El Baz a été tiré six heures en arrière, où il a été récupéré par cette période de temps Entreprise. Picard a rencontré son passé, qui voulait découvrir ce qui arriverait au navire à l'avenir et comment l'empêcher. Frénétique, le futur Picard tenta de s'éloigner dans le El Baz encore une fois, mais son ancien homologue a décidé qu'il était temps de "mettre fin au cycle" et l'a tué avec un phaser. Les Entreprise a alors pu échapper au vortex. ( TNG : " Time Squared ")
  • En 2366, l'USS Entreprise-C a émergé d'une faille temporelle. Sa disparition à partir de l'année 2344 a provoqué une modification de la chronologie, où la Fédération perdait une guerre contre l'Empire Klingon. Picard était toujours le Entreprise-Le commandant de D, bien que plus endurci en raison des horreurs de la guerre. Sur les conseils de Guinan, Picard décide d'envoyer le Entreprise-C retour vers le passé. Après que le capitaine Rachel Garrett a été tué lors d'une attaque klingonne, Picard a permis à Richard Castillo de prendre le commandement et de rendre le Entreprise-C à 2344. ( TNG : " L'Entreprise d'hier ")

Lieutenant junior Jean-Luc Picard

  • Dans une chronologie alternative créée par Q, Picard a eu la possibilité de s'éloigner de son combat avec le Nausicaan qui lui a causé de graves blessures au cœur, forçant l'installation d'un remplacement bionique. À son retour dans le présent, Picard n'était qu'un simple lieutenant de grade junior, avec Worf comme superviseur. En effet, son expérience de mort imminente a fait comprendre au jeune Picard à quel point la vie était fragile et à quel point elle pouvait être importante, le rendant ainsi encore plus déterminé à laisser sa marque dans l'univers et à prendre des risques tels qu'ils étaient, tout ce que Picard a appris de la l'incident était de jouer la sécurité et de ne pas prendre de risques. Picard a convaincu Q de lui permettre de corriger les dommages causés à sa chronologie et est revenu à sa réalité (bien qu'il n'ait jamais été confirmé si cela réellement s'est passé ou s'il s'agissait simplement d'une hallucination de mort imminente). ( TNG : " Tapisserie ")
  • En 2370, le lieutenant Worf a rencontré une fissure quantique qui l'a amené à commencer à basculer entre les réalités quantiques. Dans plusieurs univers, Picard était encore capitaine du Entreprise et a assisté à une fête d'anniversaire surprise pour Worf, bien que ses services aient été déclarés nécessaires sur le pont. Dans l'univers final dans lequel Worf est arrivé, William Riker était le capitaine, car Picard a été perdu lors de la rencontre avec les Borgs de 2367. Dans une autre réalité, les Borgs avaient envahi la Fédération et le Entreprise était l'un des rares navires restants. Worf a finalement été ramené à sa propre réalité quantique et la fissure quantique a été scellée. ( TNG : " Parallèles ")

Picard dans une chronologie alternative

  • En 2370, alors qu'il était jugé par Q, la conscience de Picard se déplaçait entre trois chronologies alternatives. Dans un autre 2364, Picard a désobéi aux ordres de Starfleet dès son arrivée à bord du Entreprise à la station terrienne McKinley. Il a appelé une alerte rouge alors qu'il était amarré à la station, a commandé le navire au système Devron au lieu de Farpoint Station et a emmené le navire dans une anomalie temporelle là-bas. Dans un autre 2370, Picard a été diagnostiqué avec le syndrome irumodique par le Dr Crusher. Cela l'a amenée à reconsidérer sa relation avec Picard, et elle est revenue sur sa décision antérieure de rester juste des amis. Les Entreprise a été envoyé au système Devron près de la zone neutre romulienne où il a découvert l'anomalie temporelle. Dans un futur inconnu et alternatif, Picard s'est retrouvé dans le vignoble de sa famille avec Geordi La Forge. Picard a contacté Riker, maintenant amiral et commandant de la base stellaire 247, pour obtenir de l'aide dans l'enquête sur l'anomalie, mais Riker a refusé de lui permettre le passage en zone neutre, pensant que Picard avait été affecté par son syndrome irumodique et était délirant. Plus tard, Picard a convaincu son ex-femme, Beverly Picard, de prendre son navire médical, l'USS Pasteur, pour enquêter sur l'anomalie. Les Pasteur a été attaqué et détruit par des cuirassés klingons, mais le Entreprise, sous le commandement de l'amiral Riker, est arrivé pour sauver l'équipage et combattre les Klingons. Picard a de nouveau supplié Riker de revenir au système Devron, mais il a ensuite été mis sous sédation et est retourné dans ses quartiers. Armé de nouvelles informations recueillies sur les deux autres périodes, Picard s'est réveillé et est allé parler à Riker et à l'autre ancien Entreprise officiers et les a convaincus de l'existence de l'anomalie. Les Entreprise est revenu juste à temps pour le voir se former, et Riker a ordonné le Entreprise dans l'anomalie, où il a utilisé un obus de chaîne statique de concert avec l'autre Entreprises pour le réduire. Une fois l'anomalie scellée, les chronologies ont été effacées et seul Picard a conservé la mémoire de ces événements. Il a raconté à son personnel ses expériences futures, dans l'espoir que des choses telles que le conflit entre Worf et Riker qui a suivi la mort de Deanna Troi ne se produisent jamais. ( TNG : " Toutes les bonnes choses. ")
  • Picard a été brièvement piégé dans le Nexus lors d'une mission visant à empêcher le renégat El-Aurianscientist, le Dr Tolian Soran, de détruire le système Veridian. Dans le monde parfait du Nexus, son neveu René (qui venait de mourir dans un incendie) était toujours en vie et il avait une femme et quatre enfants. Réalisant que ce n'était pas réel, il rejeta la réalité qui lui était offerte et quitta le Nexus pour vaincre Soran avec l'aide du capitaine James T. Kirk. ( Générations Star Trek)

Trois raisons d'aller à la tapisserie à Queen Village - Recettes

"Les Joyeuses Commères de Windsor"
de la série médaillée d'or exposée à Paris, 1878
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Introduction

La fin de la période victorienne était une époque où les anciennes compétences artisanales utilisant la main et l'œil plutôt que des machines étaient relancées, notamment par l'artiste William Morris. Le tissage de la tapisserie, considéré par Morris comme la plus belle forme d'artisanat textile, était l'un d'entre eux, et il a créé ses propres ateliers de tapisserie en 1881. Un peu à son grand regret, cependant, il avait été préempté par une entreprise basée à Old Windsor .
L'ancienne manufacture de tapisserie de Windsor a été fondée en 1876 par deux Français, Marcel Brignolas, en tant que directeur, et Henri C. J. Henry en tant que premier directeur. Henry était directeur artistique de Gillows, Oxford Street, Londres. Ils ont fait venir des tisserands des célèbres usines françaises d'Aubusson et ont installé leurs métiers à tisser à Manor Lodge à Straight Road, Old Windsor, un bâtiment démoli depuis. Le recensement de 1881 montre un grand nombre de familles d'Aubusson ou de Paris vivant dans le village. Les épouses travaillaient comme réparatrices de tapisseries et les enfants recevaient une certaine éducation dans une école tenue au pub Lord Nelson où les usines de teinture de laine ont d'abord été installées.
L'ancienne manufacture de tapisserie de Windsor était l'une des deux seules œuvres de tapisserie à être établie en Angleterre au XIXe siècle, l'autre étant celle de William Morrisat Merton Abbey, la manufacture bénéficiait du patronage royal en tant que prince Léopold, duc d'Albany, le plus jeune fils de la reine Victoria, a soutenu le projet avec enthousiasme, en devenant sa présidente.
Peut-être que la première tapisserie achevée à Windsor portait les noms de Michel Brignolas, le premier directeur de la manufacture, et Henri C. J. Henry, le directeur du RWTM. C'était une image de la taille d'un buste de la reine Victoria et a été tissée à partir d'un dessin d'après le tableau du baron Heinrich von Angeli, adapté par Phoebus Levin.

La reine victoria
de Phoebus Levin d'après Von Angeliz
Cette tapisserie est visible dans la section Textile du Victoria and Albert Museum.
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Un autre travail important au début était une commande par Gillows de huit tapisseries représentant des scènes des Joyeuses Commères de Windsor de Shakespeare, conçues par l'artiste TW Hay, et présentées à l'Exposition de Paris de 1878. Ces tapisseries animées et colorées ont remporté une médaille d'or, battant leurs rivaux de la France même.
En 1882, la confiance en l'avenir s'est manifestée lors de la construction de la salle des tapisseries, avec douze cottages attenants pour les travailleurs et une salle centrale pour exposer les tapisseries. Les travaux prospérèrent et de plus en plus de tisserands de France arrivèrent, attirés par un salaire de £1 par jour. Des apprentis anglais sont embauchés mais la majorité des tisserands sont français.
Lorsque la reine Victoria a appris le succès, elle a envoyé certaines de ses propres tapisseries de Holyrood House à Old Windsor pour réparation, et est devenue patronne, consentant à ce que la manufacture soit appelée «Royal» en 1880. Elle a fait plusieurs visites à la manufacture et l'a enregistrée impressions - qui étaient favorables - dans son Journal. La reine était souvent accompagnée de la princesse Béatrice ou du prince de Galles. Le duc de Connaught semble avoir été un visiteur fréquent, tout comme la princesse Louise, marquise de Lorne. La princesse Louise a également conçu des tapisseries et est devenue l'une des deux vice-présidentes de la manufacture de tapisserie, l'autre étant la princesse Christian de Schleswig-Holstein. Le fils de la reine, le prince héritier Guillaume d'Allemagne, plus tard l'empereur Guillaume II, était un autre visiteur tandis que sa fille aînée, la princesse héritière Victoria de Prusse, a commandé une tapisserie de "Beaucoup de bruit pour rien" de Shakespeare, qui est peut-être celle maintenant suspendu au palais de Buckingham. D'autres commandes comprenaient un canapé, fait pour la reine. [Le canapé de la reine]

Une vue et un plan des travaux de tapisserie

Le Comité établi pour contrôler la manufacture comprenait de nombreux membres de la Cour et de la noblesse. Il n'est pas clair qu'ils se soient jamais réunis en comité, mais peu de temps après, un comité de garants les a remplacés. Celui-ci fut dirigé par le prince Léopold jusqu'à sa mort subite en 1884. Il fut suivi en tant que président par le prince de Galles, dont le soutien à l'entreprise fut moins fort et puis, assez soudainement, cessa. C'est alors qu'à la fin de 1884, il devint évident qu'il y avait de graves problèmes financiers à la manufacture de tapisserie, ainsi qu'un stock de modèles plus ou moins impopulaires qui ne se vendaient que lentement, tandis que la masse salariale augmentait.
A cette époque, il y avait environ 100 employés, principalement français, et plusieurs apprentis anglais. Les 9 garants comprenaient de riches et experts mécènes des arts tels que Sir Richard Wallace (qui a aidé à former ce qui est maintenant la Wallace Collection à Londres), Sir Charles Freake, M. H. Brassey MP et Lord Aldenham (alors M. A. Gibbs), également M. Coleridge Kennard, M. A. Morrison, et l'artiste bibliothécaire de la Royal Academy M. JE Hodgson RA, ainsi qu'un représentant de Gillows. La reine a aidé à la fois directement avec les commandes et les visites et indirectement, montrant de la sympathie pour la duchesse d'Albany, la princesse Helen (veuve de Léopold) qui a reçu de grands services de son contrôleur, Sir Robert Collins. Il avait suivi Lord Ronald Gower, le sculpteur, en tant que secrétaire de la Royal Windsor Tapestry Manufactory. Sir Robert s'efforça en vain d'empêcher la fermeture définitive de la Manufacture avant la vente des stocks.

La salle des tapisseries, Old Windsor, en 1904

Une deuxième vue publiée par W J Young de Old Windsor sous forme de carte postale et mettant en vedette le facteur local, un chien, des enfants dans une scène d'hiver enneigée vers 1905

La manufacture de tapisserie a commencé avec quatre métiers à tisser à basse chaîne, en 1882, il y en avait huit et à la fermeture en 1890, il y en avait seize. Un métier à tisser à haute chaîne a été acheté à des fins expérimentales et pour comparer le travail. Il semble significatif que les tapisseries américaines établies en 1893 après la fermeture des usines de Windsor étaient toutes à faible déformation, suivant ainsi la tendance établie à Old Windsor et sans aucun doute emmenée aux États-Unis par les mêmes tisserands soit directement soit d'Aubusson. On sait que l'une des premières familles de tisserands à se rendre en Amérique, les Foussadier, emportèrent avec eux un petit métier portatif à basse chaîne. C'est peut-être celui en noyer utilisé pour démontrer la technique au Guildhall de Windsor lors de l'exposition des tapisseries de Windsor en décembre 1878, où il servait à tisser le panneau présenté à l'arrondissement par Henri C. J. Henry.

L'une d'une paire de bannières commémoratives présentées par MH Henry à la Corporation of Windsor le 20 juin 1887.

Dessins pour les tapisseries

L'artiste historique victorien notable, E. M. Ward R.A., qui vivait à proximité dans l'arrondissement de Windsor et qui était un ami de plusieurs membres de la famille royale, a été l'un des premiers artistes engagés pour préparer des dessins et des dessins pour la nouvelle manufacture de tapisserie de Windsor. Entre 1876 et sa mort en 1879, il réalisa plusieurs dessins de tapisseries pour l'escalier de l'excentrique Christopher Sykes M.P., dont le nouveau manoir à Hill Street, Mayfair, était l'endroit où il divertissait le prince de Galles, qui deviendra plus tard le roi Édouard VII. Ces pièces représentaient des scènes de chasse à l'époque médiévale. Ward a également conçu l'immense tapisserie « la bataille d'Aylesford » - la plus grande jamais réalisée à l'usine de Windsor. Sa veuve, Mme Henrietta Ward, a travaillé sur plusieurs dessins animés après sa mort.
En 1877, la première grande série de tapisseries - les huit panneaux des "Joyeuses épouses de Windsor" conçus par TW Hay (un associé de Henry's à Gillows) - ont été commandés par Gillows pour la décoration du pavillon du Prince de Galles au Paris 1878 Exposition. Ici, ils étaient suspendus dans la salle à manger. Ils étaient très bons - assez bons pour remporter la médaille d'or des tapisseries face à la concurrence des grandes manufactures françaises, un effort remarquable pour une œuvre nouvelle. Au cours de la recherche pour la manufacture royale de tapisserie de Windsor en 1979, ces tapisseries n'ont pas pu être retrouvées, mais juste au moment où la version imprimée originale de cette histoire allait sous presse, sept des huit sont venues à MM. Christie pour vente aux enchères et avec leur aimable autorisation. pourraient être examinés et photographiés.
En outre, il a survécu des croquis des « Joyeuses Commères de Windsor » ainsi que la cheminée qu'elles flanquaient, qui contenait le portrait en tapisserie de la reine illustré ci-dessus. Cette cheminée, incrustée d'ébène et d'ivoire et richement sculptée, ainsi que les tapisseries des médailles d'or, ont ensuite été achetées par le millionnaire Sir Albert Sassoon pour son manoir au 25 Kensington Gore, où le prince de Galles était un invité fréquent.
Peu de dessins originaux ou de dessins animés sont connus pour avoir survécu. Sur les quatre caricatures des tapisseries historiques du Royal Windsor de la Mansion House, trois ont été détruites lors du blitz de 1941 sur Londres. Plusieurs des dessins animés de la série de tapisseries « Résidence royale » qui étaient accrochés au-dessus des escaliers de sortie des appartements d'État du château de Windsor sont répertoriés dans le catalogue des estampes et des dessins du Victoria and Albert Museum, mais ne semblent pas être là maintenant . La paire de dessins animés pour le canapé de la reine Victoria, également répertoriés, est toujours en sécurité, tout comme le dessin animé pour les armes du prince Léopold. Il est possible que le canapé survive dans la collection royale, mais la tapisserie des armes du prince Léopold est l'une des nombreuses qui ne peuvent être retrouvées.


Les dessins à la craie de Richard Beavis et EM Ward pour les chevaux et les personnages de l'immense tapisserie de Ward 'Battle of Aylesford' sont prêtés au musée du Guildhall, Windsor, par le Maidstone Museum, ainsi que les aquarelles de cette œuvre et celle de JE Hodgson RA pour ses « Men of Kent marchant devant l'armée de Harold ».

La fabrication des tapisseries

La laine a été obtenue dans la couleur naturelle et teinte dans des cuves en cuivre pour correspondre exactement aux couleurs des dessins animés. Les cuves d'Old Windsor ont d'abord été établies par Brignolas dans une dépendance de la maison publique «Lord Nelson» et ont rapidement déménagé à Manor Lodge, Straight Road, Old Windsor. Outhouse et Lodge sont maintenant tous les deux démolis. Ce dernier site jouxte le Manor Cottage toujours existant et est associé à la fois à la Tapestry Works et à la Royal Windsor Stained Glass Works, qui était contemporaine de la manufacture de tapisserie, mais sous une gestion distincte.
Des milliers de nuances ont été préparées, et en tordant des nuances de laine plus claires ou plus foncées dans un ou deux des trois brins, une gamme de couleurs a pu être obtenue pour correspondre au moindre changement de teinte. On utilisait des teintures végétales, les teintures à l'aniline étant apparemment dédaignées par les teinturiers, et ces teintures avec leurs mordants étaient sous la responsabilité du Chef Teinturier, d'abord Brignolas, puis Jean Foussadier. Foussadier a apparemment trouvé l'eau du Vieux Windsor tout aussi particulièrement adaptée à la teinture que celle de la Bièvre aux Gobelins dans la paroisse de Saint Marcel près de Paris. Plus tard, il trouvera les eaux de la rivière Bronx à New York tout aussi convenables, « en raison de la teneur en végétaux dissous ». Il y apprend tout ce qu'il sait à son fils cadet Louis, qui succédera à son père comme manager à New York, 32 ans après son arrivée et son apprentissage là-bas.
On utilisait sans doute les colorants naturels traditionnels, ceux qui s'étaient montrés résistants à la lumière. L'indigo avait remplacé le pastel par du bleu, un rouge chaud provenait de la garance et le rouge provenait également d'insectes séchés appelés Kermès, de la cochenille et du bois de Brésil.Les violets étaient fabriqués à partir du lichen orchilis, et les différents mordants disponibles avec le mélange donnaient une large gamme de couleurs.
L'ombrage et les hachures (hachures) ont été utilisés pour transmettre une forme tridimensionnelle, des plis dans les draperies et même des tons de peau et des contours, ainsi que de subtils mélanges de couleurs et de reflets. En 1877, Brignolas a enregistré que 5 000 nuances avaient été produites pour le travail en cours qui comprenait le portrait de la reine et « Les Joyeuses Commères de Windsor ».
Brignolas s'enthousiasme pour la gamme de couleurs - le Cercle Chromatique - mise au point par M. Chevreuil, responsable du laboratoire de teinture aux Gobelins. C'était à cause des possibilités d'imiter la peinture, mais de l'avis de beaucoup, y compris William Morris, cela a mis l'art sur une voie fatale et a déprécié l'intégrité artistique des tapisseries. Cependant, le portrait de la reine Victoria avait de très nombreux admirateurs, même Ward, qui était d'accord avec Lord Ronald Gower qu'« il était fidèle à l'original, et avec peut-être un peu plus de vie ». '
Les changements de couleur cassent l'entrelacement de la trame, et s'ils se poursuivent sur plusieurs rangs, deviennent une fente. Ceux-ci, à moins qu'ils ne soient très petits, doivent être cousus après avoir été retirés du métier à tisser. L'emboîtement des trames évitait les fentes, mais des fentes étaient parfois nécessaires pour indiquer une division définie, ou une ombre. La texture a été donnée par « l'emballage » ou la construction des trames et par un tissage excentrique. Des fentes ont été cousues par Mme. Foussadier et sa fille, Mlle. Adrienne.
Les métiers à tisser Windsor étaient « basse-lisse », horizontaux ou « bas de chaîne », et non « haute-lisse », droits ou « haute chaîne », comme aux Gobelins. Les tisserands étaient assis aux métiers à tisser à faible déformation - autant qu'il y avait de place pour tenir compte de la conception et de l'urgence. L'actionnement des pédales permettait de faire passer dans des sens alternés les bobines chargées de fil coloré. Un supplément daté du 29 avril 1882 à l'Illustrated London News contient une page d'esquisses de travaux en cours à la manufacture de tapisserie Royal Windsor : 'Teinture de la laine', 'Enroulement de la laine', un métier à tisser à faible déformation, Préparation de la chaîne, plus une illustration de plusieurs femmes engagées dans la réparation d'une vieille tapisserie. Mme. Foussadier et sa fille Adrienne étaient les principales couturières et réparatrices à Windsor et, après 1893, à New York.
La réparation de tapisseries anciennes est l'une des tâches importantes d'une usine de tapisserie et est extrêmement qualifiée. La reine Victoria a ordonné que les tapisseries de Holyrood House soient envoyées à Windsor pour réparation sur le chantier, tout comme les tapisseries du château d'Inverary envoyées en 1877 après un incendie catastrophique. Après un incendie similaire en 1975, les mêmes tapisseries ont été envoyées à Hampton Court à proximité pour réparation. Les tapisseries de la Chambre des Lords irlandaise ont également été envoyées à Old Windsor pour réparation en 1878 et il est ironique que lorsqu'un tel travail était désespérément nécessaire pour garder la main-d'œuvre employée en 1885, en particulier les femmes ayant des parents à charge, des excuses ont été trouvées pour nier la commande à Old Windsor pour la réparation de certaines tapisseries de Hampton Court. Au lieu de cela, il a été décidé d'employer des femmes de raccommodage non habituées aux travaux de réparation de tapisserie, plutôt que de donner aux travaux de tapisserie de Royal Windsor en difficulté la chance de gagner de l'argent. Le souhait de la reine que les travaux soient confiés à Old Windsor a été ignoré et l'expertise des travailleurs en matière de réparation a été dénigrée. Ce n'était pas la première fois que le projet se heurtait à des oppositions, dont l'aspect « commercial » et l'incertitude financière ont pu être impopulaires dans certains hauts lieux.
Lorsque le travail était en attente et les commandes abondantes, de nombreux tisserands sont venus dans le vieux Windsor attirés par les bons salaires - 10 vieux centimes de l'heure, £1 pour 24 heures de travail. En 1877, les tisserands sur métier à tisser ne touchaient que 87 centimes. Avant la décimalisation au Royaume-Uni, la livre sterling s'élevait à 240 centimes. Il y avait 12 centimes dans un shilling (5p) et vingt shillings dans une livre. Les filateurs ont reçu 1,69 £ par semaine selon M. Roy Assersohn, rédacteur en chef municipal du Daily Express dans son numéro du 23 décembre 1977. La journée de travail à la manufacture de tapisserie de Windsor a commencé à 8 heures du matin. et terminé à 18h30. La plupart des ouvriers vivaient dans le village, subvenant à leurs besoins. Finalement, il y avait 100 ménages attachés à la Manufacture et autant de collections de meubles de maison. Apparemment, les effets ménagers ont été trouvés par la Manufacture, de sorte qu'il y avait 100 ensembles à disposer lors de la vente de clôture aux enchères en 1895.
Les tisserands enseignaient à des apprentis anglais, mais il y avait des apprentis français comme Antoine, le fils aîné de Jean Foussadier, qui avait obtenu le titre de tisserand à la fermeture des usines Old Windsor. Entrée du recensement de Foussadier. Il est connu comme ayant travaillé sur plusieurs tapisseries importantes, dont les tapisseries d'Aldenham d'Herbert Bone. Certains apprentis se sont rendus aux travaux de tapisserie de Merton Abbey commencés par William Morris. Ceux-ci comprenaient William Haines et William Eleman. Tous deux y étaient très appréciés et se sont vu confier un travail important.
Un autre tisserand d'Old Windsor - Octave Dennaud Bouret - devait trouver un emploi chez Edgwater Tapestry Looms (1913-1932/3) fondé dans la ville du New Jersey par Lorentz Kleiser. Plus tard, il est allé avec Kleiser à Palos Verdes et à Hawthorne, en Californie, dans les années 1930 pour tenter de poursuivre l'entreprise de tapisserie, alors victime de la Dépression.
D'autres tisserands dont les noms sont connus sont J. Roby, J. Brunaud et J. Bregere. Ces trois-là ont également travaillé sur les tapisseries Royal Windsor pour Aldenham House, Herts. Un autre ouvrier nommé Francellon avait une jeune fille Antoinette qui, à l'âge de trois ans, devait offrir un bouquet à la mariée du prince Léopold alors que la voiture de mariage s'arrêtait brièvement aux travaux en route pour Claremont en avril 1882.
La politique et le tissage n'ont jamais été très éloignés. La laine anglaise a joué un rôle important dans l'histoire sociale et économique du Moyen Âge, lorsque des tissus de laine anglaise tissés dans les villes drapières de Flandre fournissaient les commerçants d'Europe. Edward III a fait de grands efforts pour établir la fabrication de textiles de laine en Angleterre en utilisant la laine refusée à la Flandre. Il a été aidé en cela par la répression et la persécution des travailleurs de Flandre qui ont entraîné leur arrivée en Angleterre où les conditions semblaient être meilleures.
De même, à l'époque révolutionnaire de la Commune, les tapissiers français furent attirés en 1876 par les nouveaux métiers à tisser de Windsor. Michel Brignolas était un émigré qui avait fui la Commune et il a probablement contribué à inviter d'autres travailleurs expérimentés à faire le voyage d'Aubusson, en France, à Windsor - plus de 500 milles - mais le salaire et les conditions étaient meilleurs qu'en France.
En février 1877, six ouvriers tissaient de nouvelles tapisseries et réparaient des tapisseries anciennes à Manor Lodge. Il s'agissait d'un petit bâtiment de deux étages en face de l'actuelle « Tapestries » ou Salle des Tapisseries. Ce dernier a été construit en 1882 pour abriter la manufacture en expansion et comprenait douze chalets pour les employés. Un grand hall central était pourvu d'une galerie pour l'exposition des tapisseries finies. L'emplacement de cet édifice a été difficilement loué après de longs retards de la part de la Couronne, peut-être seulement après les pressions de la Reine et après le succès de l'Exposition de Paris de 1878. Il y avait eu une obstruction considérable par certains à la cour, qui semblaient craindre qu'un grand moulin satanique ne se développe, avec de la fumée et du bruit pour affliger le château. L'intérêt du prince Léopold pour le projet a été déprécié et le soutien de la reine annulé pendant une longue période.
En 1828, la première usine à gaz de Windsor avait été proposée pour être érigée au pub « The Nelson », Old Windsor, face à la route de Frogmore et du château de Windsor, ce qui a précipité une politique d'achat de terres de la Couronne.
En 1878, il y avait huit métiers à tisser et ce nombre était passé à seize en 1884, le même nombre qu'à la fermeture en 1890. Rappelant qu'il y avait eu 100 ménages attachés à la manufacture, cela équivalait à un total remarquable dans un village alors d'environ 1 100 habitants mais rien de l'influence française ne semble subsister, qu'un faible souvenir.

Événements après la mort du prince Léopold

La mort subite du prince Léopold, le 28 mars 1884, est un coup dur pour la manufacture. Le Prince était conscient des difficultés à venir lorsqu'il rédigea une lettre le 21 février 1884. Elle visait à s'assurer la sympathie et l'aide des sociétés et d'autres organismes publics dans le but de créer une entreprise nationale liée à l'industrie de l'art, avec des objectifs pour la formation et l'emploi. Il fut remplacé à la présidence par son frère, le prince de Galles, qui fit circuler une lettre similaire datée du 22 mai 1884 exprimant le désir de soutenir les efforts déployés par le prince Léopold et invitant des dons au Fonds de dotation, des commandes de tapisseries et pour le réparation de tapisseries anciennes. Les dons qui en ont résulté semblent avoir été peu nombreux et la seule commande à noter était de la ville de Londres pour quatre tapisseries historiques qui sont maintenant accrochées dans la Mansion House. Une commande pour la réparation des tapisseries du palais de Hampton Court a été activement opposée, parce que la situation financière de la manufacture était alarmante, et, très raisonnablement, pour que le prince de Galles soit considéré comme le président d'une manufacture en faillite ne pouvait être considéré avec tout sauf alarmant par beaucoup.
En grande partie grâce aux efforts persistants du secrétaire, Sir Robert Collins et de la princesse Helen, duchesse d'Albany (la veuve du prince Léopold) et à la sympathie de la reine Victoria, la manufacture a été sauvée de la fermeture immédiate. Le contrôle a été confié aux garants qui avaient investi leur argent dans le projet et ils ont décidé de poursuivre les opérations face à l'opposition de nombreux tribunaux. Les Garants avaient encore un certain espoir de récupérer leur argent une fois les stocks écoulés, notamment si de nouvelles commandes pouvaient être obtenues. La famille Gibbs a commandé deux groupes de tapisseries historiques, « Les tapisseries de Windsor à Tyntesfield Somerset » et les « Tapisseries de Windsor à Aldenham House Hertfordshire », qui ont été décrites en détail par le designer Herbert Bone dans des brochures imprimées en privé datées respectivement de 1888 et 1881. La réputation de la Manufacture a beaucoup gagné de ces magnifiques tapisseries selon les rapports contemporains, mais seules les premières ont été retracées et vues par l'écrivain, bien que le dernier groupe puisse encore exister - ils sont passés par les salles de vente aux enchères de Londres dans les années 1930.
Après l'exécution de ces commandes et de quelques autres, le déclin de la manufacture de Windsor ne pouvait être arrêté. Henri C. J. Henry a fait de gros efforts en 1888 pour obtenir une commande de la Drapers Company pour une copie de « Jason et Medea », la tapisserie des Gobelins du XVIIIe siècle dans la grande salle de réception du château de Windsor. La commande semblait imminente et le consentement à faire la copie avait été reçu, lorsque les Drapers ont changé d'avis. On ne sait pas si les travaux d'Old Windsor avaient semblé délabrés lors de la visite des représentants de la Compagnie (certainement de nombreux travailleurs étaient alors rentrés en France) ou si des pressions avaient été exercées. L'aide longtemps espérée du Gouvernement sous la forme de la création d'un Etablissement National (comme en France) pour fabriquer et réparer de belles tapisseries pour les édifices publics de la nation ne devait pas devenir réalité et après plus de douze ans tous les intéressés devaient avoir cœur perdu. Le £1 000 environ une subvention d'un an pour "les arts" qui s'était arrêté en raison des économies du gouvernement après la mort du prince consort n'était pas à recommander, mais il a été sévèrement noté par les garants que des sommes importantes ont été dépensées pour acheter des "œuvres étrangères de art' pour embellir les édifices gouvernementaux.
Certaines critiques de journaux sur les tapisseries fines, tout en louant leur art et leur qualité, ont fait référence à leurs prétendues propriétés non hygiéniques. Une série de mauvaises récoltes à la fin des années 1870, suivies d'une énorme augmentation des importations de produits alimentaires, notamment du blé des Prairies et du mouton congelé de Nouvelle-Zélande, ont entraîné la ruine de l'agriculture britannique et moins d'argent pour les grands propriétaires terriens dont les commandes auraient pu maintenir les travaux ouverts. En septembre 1888, le dernier tisserand français, à l'exception de Brignolas, était de retour à Aubusson. Certains devaient être persuadés d'aller à New York, tout comme la famille Foussadier de cinq personnes, apparemment directement d'Aubusson au début de 1893. Les incitations de William Baumgarten à de bons salaires et à un emploi stable avaient gagné leur faveur et les premiers travaux de tapisserie américains devaient commencer par le fleuve Bronx. Brignolas a déménagé à Poland Street, Soho, où il a installé son atelier. Parmi ses œuvres, il y a une série illustrant l'histoire du Clan Macintosh.
L'ancienne manufacture de Windsor a fermé ses portes la veille de Noël 1890. L'usine a été vendue aux enchères en mars 1895. Elle comprenait seize métiers à tisser, trois rouets, une table de billard français, 100 lots de meubles de maison et les magnifiques dessins d'artistes britanniques dont EM Quartier RA Presque tous ont été achetés par des fabricants d'Aubusson à des prix ridiculement bas - "à peine plus que la valeur de la toile de papier et de la ficelle", a rapporté la presse. Certaines "fausses" tapisseries Royal Windsor devaient arriver sur le marché, donnant à la Manufacture une mauvaise réputation, mais on ne sait pas si elles provenaient ou non d'Aubusson. Ils ressemblent à des 'RWT', mais n'ont pas de marques.

Expositions et Collections

La renommée de la manufacture royale de tapisserie de Windsor peut être attribuée à une exposition organisée au Golden Gate Park, à San Francisco en 1894 par MH de Young qui est connu pour avoir été impressionné par l'Exposition universelle de 1893 à Chicago, et c'était à la foire de Chicago de 1893 que Walter Henry Harris de la ville de Londres, commissaire britannique à la foire, a pris une collection de 31 tapisseries royales de Windsor. Il les fit photographier en « platinotype » et les tirages reliés avec une préface retraçant l'histoire de la Manufacture en quatre exemplaires. Il fut autorisé à présenter le premier d'entre eux à la reine Victoria à Balmoral, le second à la duchesse d'Albany et le troisième au prince de Galles. Le dernier exemplaire semble être perdu, mais les deux autres se trouvent respectivement dans la collection royale et la résidence de la princesse Alice au palais de Kensington, tandis que le quatrième se trouve dans la bibliothèque de référence de lecture.
L'Exposition de San Francisco de 1894 a laissé un excédent en dollars et les objets exposés. Ce dernier est devenu le noyau du M. H. de Young Memorial Museum au Golden Gate Park, à San Francisco, et a également contribué au tout aussi magnifique palais californien de la Légion d'honneur à Lincoln Park. La collection de tapisseries complétée par des dons de la Fondation Hearst et d'autres cadeaux et achats importants a entraîné une concentration de tapisseries célèbres probablement sans égal dans le monde, comme en témoigne leur exposition «Cinq siècles de tapisserie» de 1976.

La marque des tisserands RWTM

Les tapisseries royales de Windsor peuvent être identifiées par la marque du tisserand, qui est une couronne stylisée au-dessus de deux « L » majuscules, le premier inversé.

La marque des tisserands de la tapisserie Royal Windsor
N.B. Pour plus de simplicité dans ces pages ' _l l_ ' a été utilisé dans les pages de texte d'accompagnement

Cela se trouve généralement sur le bord supérieur de la garde, parfois avec la «Tapisserie royale Windsor» tissée en lettres majuscules d'environ un pouce de hauteur. Dans les premières tapisseries, les marques des tisserands étaient superposées sur le dessin, près du bas, comme dans la série « The Merry Wives of Windsor ».
Lorsque le roi Edward est venu s'occuper des biens personnels laissés au château de Windsor par la reine Victoria, il semble que les tapisseries qui avaient été enroulées et oubliées aient été entre autres jetées ou détruites.
Aucun détail n'a survécu concernant la production complète de la manufacture, mais les articles sur ce site Web comprennent presque tous les articles trouvés à ce jour et sont peut-être suffisants pour indiquer l'importance des tapisseries Old Windsor : la seule tentative autre que celle de William Morris pour faire revivre cet ancien métier en Angleterre au 19ème siècle.


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